Le fonds documentaire du CCNO

L'histoire littéraire et artistique laisse peu de place aux femmes. Nombre de leurs oeuvres ont été dépréciées ou simplement oubliées. En réalité, les femmes ont souvent oeuvré dans l'ombre, au service d'un « grand homme ». Ces formes de créativité mal définies méritent un éclairage particulier.

Porte une analyse documentée sur l’évolution et l’actualité des enjeux artistiques et institutionnels des Centres chorégraphiques nationaux. Une réflexion enrichie par de nombreux témoignages, écrits et chiffres clés sur leurs missions et activités.

« On produit beaucoup de gestes, de tentatives – ce que nous, danseurs, nommons improvisations. Et chaque pièce laisse derrière elle son cortège de danses non choisies, non retenues, perdues… Cependant ces reliefs appartiennent au travail même : j’ai le sentiment qu’ils le façonnent, au même titre, bien qu’invisibles, que tous les gestes retenus pour incarner la pièce. C’est plonger dans le journal de vie d’une pièce que de se retourner vers cela. »
Plonger, dit-elle. Elle, c’est Emmanuelle Huynh, qui, en tant qu’interprète et chorégraphe fut l’une des fortes individualités responsables du profond renouvellement de la danse contemporaine survenu au milieu des années 1990.
Plonger dans le tas d’archives constituées, sous forme de vidéo-cassettes précisément datées, depuis Mua (1995), solo emblématique.
Plonger afin « de faire résonner ce que les danses ont vu hier et qui aujourd’hui figure ou défigure le monde avec intensité ».
Dans ce plongeon révélateur (au sens photographique du terme), Emmanuelle Huynh, coutumière des expériences croisant diférentes pratiques artistiques, embarque le musicien Pierre Jodlowski et l’écrivain François Bon – tous trois, en prise directe sur la matière, œuvrant de concert à extraire du vivant de tout ce corpus résiduel. Dénué de tout épanchement nostalgique, Le Grand Dehors ne se borne pas à reproduire des mo(uve)ments, au risque de les figer, mais procède d’un puissant élan (ré)générateur : cette pièce conçue pour plusieurs interprètes, relie le passé au présent, et l’intimité à l’actualité, en une palpitante réflexion sur le travail de la mémoire – autant que sur la mémoire du travail.

Le moment parait venu de rectifier l’image qu’on se fait en France de la grande danseuse et chorégraphe allemande Mary Wigman, en vérité peu ou mal connue. Il suffit d’ouvrir Le langage de la danse à n’importe quelle page pour être frappé par l’intensité de vie qui s’en dégage. Wigman s’y révèle comme elle était : passionnée, vibrante, lyrique, sensuelle, chaleureuse et ceci jusqu’en ces dernières années. Nous la voyons aussi possédée, brûlée par la danse, par cet élan prophétique, révolutionnaire et inspiré qui a rééllement créé un nouveau langage et une pensée chorégraphique. Nous sommes admis aussi loin qu’il est possible dans le secret qu’elle évoque : le sanctuaire du créateur, là où s’élabore le mystère de la création artistique. Quant à moi, en traduisant ce précieux texte, avec reconnaissance et ferveur, j’ai tenté de payer un peu de ma dette envers Mary, ma mère spirituelle.

Ce livre est la première monographie jamais consacrée à une artiste majeure du XXe siècle. Lucinda Childs jouit d’une renommée internationale et d'une reconnaissance toute particulière en France et en Europe. Corinne Rondeau nous propose ici une lecture sensible et singulière de l’œuvre de Lucinda Childs, tout en recontextualisant son émergence et en se livrant à une analyse fouillée de certaines de ses compositions.
Enrichi de textes – dont certains sont inédits ou traduits en français pour la première fois – de la chorégraphe elle-même ou de ses collaborateurs artistiques (Sol LeWitt, Yvonne Rainer), l’ouvrage contient également un cahier iconographique qui rassemble des photos de pièces ou des partitions chorégraphiques d’une indéniable puissance graphique.

Lucinda Childs fait ses débuts dans les années 1960 au sein du groupe d’avant-garde new-yorkais du Judson Dance Theater. Elle y côtoie les grands noms de la scène expérimentale et s’intéresse aux démarches artistiques de Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg ou encore Robert Morris. En 1976, elle participe, en tant qu'interprète et chorégraphe, à l’opéra révolutionnaire de Robert Wilson : Einstein on the Beach. En 1979, elle crée Dance, auquel contribuent Philip Glass (musique) et Sol LeWitt (scénographie), un manifeste minimaliste qui marquera l’histoire de la danse.
Danseuse, chorégraphe, comédienne, metteuse en scène d’opéra, Lucinda Childs n’a cessé de créer depuis cinquante ans une œuvre chorégraphique fondée sur une esthétique de la répétition et une rigoureuse musicalité. Déployant un art des lignes et des trajectoires commun aux danseurs et aux spectateurs, elle fait de la danse une expérience singulière de la perception.

Dix ans après la première édition de cet ouvrage, Guy Delahaye poursuit son hommage à Pina Bausch. Seul photographe a avoir pu accompagner la chorégraphe sur l'ensemble de ses créations, il complète et aboutit ce travail monographique par l'intégration d'une trentaine de photographies de ses derniers spectacles. Un livre touchant et complet sur la grande chorégraphe allemande témoignant également de la rencontre entre ces deux grands artistes.

Dans les années 1960 puis 1970, à New York, parallèlement à une montée de la contestation sociale et politique dans le monde occidental, quelques jeunes danseurs et chorégraphes se détachent radicalement de la modern dance et de la danse classique. Issus des ateliers d’Anna Halprin en Californie et/ou de ceux de Robert Dunn au studio Cunningham, ils rejettent virtuosité, expression dramatique, «inspiration», codes esthétiques et techniques, relations conventionnelles entre artistes et spectateurs, et entre les arts. Ils renouvellent fondamentalement les processus de création et adoptent la composition par procédés aléatoires, le discours direct, l’emploi d’amateurs, les structures et mouvements empruntés à la vie quotidienne.

Sally Banes, professeur à l’université d’Etat du Wisconsin et auteur de nombreux ouvrages sur la danse, conduit dans les années 1970 des entretiens avec les figures majeures de cette dissidence : Simone Forti, Yvonne Rainer, Steve Paxton, Trisha Brown, David Gordon, Deborah Hay, Meredith Monk, Lucinda Childs, Kenneth King, Douglas Dunn - certains s’étant aussi regroupés au sein du Grand Union, un collectif d’improvisation.
Au-delà de la description exaltante d’une période relativement récente, cet ouvrage offre une remontée aux sources de pratiques parfois revisitées par la danse française actuelle, en témoignant d’une extraordinaire liberté d’inventer, en prise directe sur la dimension politique de l’art en général.