Le fonds documentaire du CCNO

C'est en jouant avec l'idée du contraire, que nous vous invitons à faire quelques pas, pour rencontrer la danse autrement : une traversée en 46 dessins (à partir de 6 ans) ; 3 jeux à dessiner et danser (à réaliser seul ou à plusieurs. dès 6 ans) ; 1 prolongement relatant des éléments de l'histoire de la danse ayant façonné de près ou de loin les dessins (pour les bien plus grands)

C'est à travers quelques pas de danse, capturés ici ou là, que nous proposons aux enfants de venir déguster comment un geste, en s'étant faufilé dans la danse, ouvre un monde de sensations et d'images prêtes à être redéployées : Une traversée en 24 pas (alliant textes et dessins) (à partir de 8 ans) ; 3 jeux à dessiner et danser (à réaliser seul ou à plusieurs. dés 8 ans) ; un prolongement déclinant un lexique inachevé autour de différents pas de danse utilisés dans l'art chorégraphique d'hier et d'aujourd'hui.

Ce livre de danse destiné aux enfants met en relation direct le corps et le paysage, et donne une réponse au questionnement sur l’édition en danse qui se présente en grande majorité normée et genrée. Ici, là et tout autour, entre danse et nature ;

Ce livre s'inscrit dans une collection de livres graphiques dédiés à la danse, destinés aux enfants et aux adultes curieux de découvrir et/ou de transmettre l'art du mouvement. Elle se propose de faire sentir la danse, par le regard, l'esprit, l'imagination mais aussi le la mise en mouvement du corps par des mises en jeu à réaliser. C'est en se laissant guider au coeur d'un territoire parsemé d'une signalétique (en image et en texte), que nous vous invitons à entrer dans la danse. Des danses qui peuvent se faire comme ceci ou comme cela, ici ou là. Une rencontre avec 52 panneaux, rassemblés dans 6 zones à danser, 3 jeux à danser et 1 prolongement permettant de tisser un lien avec les oeuvres ou gestes chorégraphiques qui habitent certains panneaux.

« Ne pas être trop couverte, mais ne pas être trop dénudée. »
« Ne pas être obsédée par son poids mais ne pas se laisser aller non plus. »
« Ne pas être prude mais aussi ne pas avoir une sexualité trop libérée. »
« Ne pas vouloir un enfant à 18 ans mais ne pas vouloir un enfant à 40 ans non plus. »
« Correspondre à des standards de beauté... »

Les corps des femmes sont contraints par une liste sans fin d'injonctions. Spoiler alert : On en a assez ! Nous voulons être libres ! Et si nous nous faisions entendre ?
Avec des dessins colorés et des textes percutants, un humour parfois grinçant, Ève Cambreleng, autrice-illustratrice, créatrice du compte Instagram About Evie, propose de porter nos voix haut et fort !

A nous de faire du bruit !

"J'aimerais que nous rêvions à un monde différent et que nous commencions à le préparer. Un monde plus juste. Un monde où les hommes et les femmes seront plus heureux et plus honnêtes envers eux-mêmes. Et voici le point de départ : nous devons élever nos filles autrement. Et aussi nos garçons."Le célèbre manifeste de Chimamanda Ngozi Adichie adapté pour la jeunesse. L'écrivaine nigériane y aborde la question de l'égalité des sexes avec lucidité et humour, au travers de son expérience et d'anecdotes de son enfance."

Pour dénoncer et expliquer les inégalités entre les hommes et les femmes, Soledad Bravi et Dorothée Werner sont remontées à l'apparition des premiers humains, afin de trouver l'origine du deshéquilibre. En expliquant la cause de cette inégalité, pourquoi elle a perduré pendant des siècles, persiste encore aujourd'hui, et ce que cela a provoqué comme injustices, alors peut-être voudrons-nous repartir sur des bases plus justes et plus saines, peut-être aurons-nous envie de remettre à jour ces droits pour qu'ils soient enfin communs aux deux sexes. Voici la chronologie de l'évolution des droits de la femme en partant du début de l'humanité à nos jours.

Grand décoinçage général au menu d’un album burlesque et fantastique !
Les parents d’Hector, petit garçon remuant, décident de le mettre à la danse, histoire qu’il se dépense un peu. Et là : coup de foudre ! Au point qu’Hector ne pense plus qu’à ça, danse sans cesse, couvre ses murs de posters d’arabesques… Ça suffit ! intervient son père. Mais notre petit passionné refuse l’interdit : il prend son élan et, dans une envolée magnifique, se met à virevolter au plafond, à 4 mètres du sol. Impossible de le faire redescendre… Pour récupérer son fiston, le papa va devoir se mettre, lui aussi, aux entrechats : et 1 et 2 et 3…
Un album bondissant sur les stéréotypes et la volonté !
L’humour tendre et ravageur de Magali Le Huche fonctionne à plein.
Sur un sujet fort, la danse, fait pour elle !

La représentation du monde de la danse classique oscille entre fascination et condamnation. Fascination pour les danseurs et danseuses qui se consacrent « corps et âme » à la recherche de l’excellence artistique. Condamnation de la souffrance et des sacrifices d’une vie d’ascète dans un univers compétitif à l’extrême. Le cinéma, la littérature et les médias véhiculent sans cesse une telle tension, comme en témoigne le fi lm à succès Black Swan.

Le Ballet de l’Opéra de Paris est au cœur de cette représentation fantasmatique, au point d’en être le modèle. Dévoilement des coulisses de cette institution prestigieuse, cet ouvrage montre comment les désirs des jeunes aspirants sont façonnés, entretenus ou remis en cause au fil d’une vie tout entière consacrée à la danse malgré des chances de réussite très incertaines.

L’enquête menée auprès des élèves et de leurs parents, des professeurs et des anciens danseurs permet de saisir sur le vif les mécanismes sociaux qui amènent les danseurs à donner du sens à leur engagement. En suivant les danseurs et les danseuses dès l’entrée dans la pratique, durant la scolarité et jusqu’à leur départ à la retraite, Joël Laillier donne à voir la fabrique d’une élite artistique.

Très douée pour la danse, la petite Polina Oulinov est sélectionnée pour suivre les cours de Nikita Bojinski, un maître d’une exigence absolue, à la fois redouté et admiré. Au fil de son enseignement, qu’elle suit des années durant, Polina devenue jeune fille développe avec son mentor une relation complexe, entre antagonisme et soumission – et finit par le quitter pour explorer de nouvelles expériences artistiques, en toute indépendance.
Après avoir exploré l'émoi amoureux, Bastien Vivès parcourt la relation du maître et de l'élève dans Polina ou l'histoire d'une petite fille qui deviendra chorégraphe. Dans un livre conséquent, l'auteur semble réfléchir sa propre expérience par la fiction. Sans détours, avec lucidité et distance.

• Si on ne trouve pas un modèle de développement dans l'intérêt de tous, on va finir comme dans Game of Thrones… - Et en plus les dragons ont un super mauvais bilan carbone.

Féministe et révolutionnaire, Emma est aussi ingénieure en informatique. Elle épluche la presse et s’intéresse aux petites histoires du quotidien. Elle recoupe ces récits avec l’actualité et les met en image pour leur donner un éclairage politique

Découvrez le portrait de 40 femmes qui ont combattut pour se faire entendre, défendre leurs droits et obtenir l’égalité.

Premier volume de la saga culte consacrée à l épopée du Hip-Hop, ce comic book d'Ed Piskor décrit la naissance dans le Bronx, à la fin des années 1970, d un mouvement devenu planétaire. Irrésistiblement drôle et parfaitement documenté, Hip Hop Family Tree brosse les portraits de DJs, rappeurs ou graffeurs de légende comme Afrika Bambaataa, DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Kurtis Blow, Funky 4+1, Sugarhill Gang, Run-DMC et Fab 5 Freddy. Avec acuité, Ed Piskor parvient également à retranscrire l atmosphère unique des nuits new-yorkaises de l époque, traversées par d autres figures mythiques telles que les Clash, Keith Haring ou encore Blondie.

La ligue des super féministes est la première BD jeunesse réellement féministe. Elle s’adresse aux enfants dès 10 ans et aborde des thèmes inédits en jeunesse : la représentation, le sexisme, le consentement, le corps des filles, les notions de genre et d’identité sexuelle... Les chapitres sont complétés par des pages d’outils théoriques indispensables à tout âge (argumentaires, test de Bechdel...) qui font de cette BD un véritable petit guide d’autodéfense féministe, salutaire à l’âge où s’installent les stéréotypes sexistes.

Malgré des avancées significatives durant le 20e siècle, le combat féministe reste toujours d'actualité. D'Olympe de Gouges à Virginie Despentes en passant par Simone de Beauvoir ou Angela Davis, cette bande dessinée retrace, à travers des événements et des slogans marquants, les grandes étapes de ce mouvement et en explicite les concepts-clés, comme le genre, la domination masculine, le « slut-shaming » ou encore l'intersectionnalité.

Guerrière apache ou sirène hollywoodienne, dissidente politique ou exploratrice, les Culottées font voler en éclats les préjugés.
Sept portraits de femmes qui ont inventé leur destin.

Danseuse résistante ou gynécologue, impératrice ou gardienne de phare, les Culottées font voler en éclats les préjugés.
Sept portraits de femmes qui ont inventé leur destin.

Rappeuse afghane ou athlète marathonienne, reine des bandits ou interprète des animaux, les Culottées font voler en éclats les préjugés.

Volcanologue ou activiste de bonne famille, miniaturiste du crime ou astronaute, les Culottées font voler en éclats les préjugés.

Il s'appelle Vermont Washington. Un nom symbole de la liberté pour l'Amérique, mais guère pour lui, qui est noir. Le quotidien de Vermont et de sa famille n'est fait que d'injustice et d'humiliation. Il est victime du racisme constant sévissant dans cette société où s'agitent encore le racisme et le Ku Klux Klan, vestiges insupportables de l'esclavage et de la guerre de sécession. Membre du Black Panther party, il lutte pour les droits à l'égalité. Pourtant, même ses meilleurs amis blancs auraient tendance à lui conseiller de se tenir à carreau, pour éviter de s'attirer des ennuis. De provocations racistes en humiliations constantes (une personne de couleur est moins bien payée qu'une personne blanche, on refuse de le servir dans les bars.), Vermont Washington nous raconte son tragique destin, rythmé par le programme d'éducation et de lutte en dix points des Black Panthers.

Il était temsp de faire une chronologie et de remonter aux origines des inégalités entre les hommes et les femmes, pour en révéler l’absurdité et nous donner envie de repartir sur des bases plus justes qui nous permettront de grandir et de vivre tous ensemble en harmonie.

Très tôt, les mouvements de lutte pour les droits des femmes ont compris le pouvoir de l'image, et l'ont utilisé pour servir leurs messages. Des affiches des suffragettes aux photographies de Carrie Mae Weems, en passant par les " Nanas " de Niki de Saint Phalle ou encore les clips de Beyoncé, L'Art du féminisme donne à voir la façon dont le combat des femmes a influencé les arts graphiques et les médias.

Rassemblant plus de 350 oeuvres – tableaux, illustrations, photographies et performances – cet ouvrage tout à fait inédit fait prendre conscience de l'audace et de la vivacité de l'esthétique féministe depuis 150 ans.

Le Swiss Dance Directory, ainsi que le catalogue présent Tanzschaufenster Schweiz, furent conçus à l’occasion de la Foire Internationale de Danse NRW 2000. Il s’agissait pour nous de documenter de façon aussi conpréhensive que possible la danse suisse – d’où deux publications : la première liste de façon compréhensive les compagnies, ensembles et solo artistes, la seconde, ici présente, offre une sélection subjective qui rend compte de la diversité de la danse suisse, et de la qualité et continuité de compagnies en majorité de la scène libre. 24 ensembles et compagnies, dont 21 sont présentés, furent contactés pour le catalogue Tanzschaufenster Schweiz. La sélection fut faite par un jury dans le but de présenter une coupe transversale : des artistes individuels, des «newcomers», ainsi que des artistes suisses à l’étranger côtoient des ensemble et des compagnies établis depuis longtemps en Suisse.

Images d’archives du Théâtre de la Ville de Paris entre 1968-2008.

Vingt ans après la première exposition qu'elle lui a consacrée, la Fondation Cartier pour l'art contemporain invite à nouveau l'artiste américaine Sarah Sze à créer une exposition immersive dialoguant avec les espaces transparents du bâtiment de Jean Nouvel. Internationalement reconnue pour son oeuvre défiant les frontières entre peinture, installation et architecture, Sarah Sze assemble des objets du quotidien et des images en mouvement dans des installations sculpturales d'une étonnante délicatesse et complexité. Présentant de nombreuses vues de l'exposition, le catalogue publié par la Fondation Cartier retrace la création des deux oeuvres conçues spécialement par Sarah Sze pour l'exposition, composées d'objets, de lumières, de sons, de vidéos et d'images fixes. Un texte de Bruno Latour, une conversation entre Jean Nouvel et Sarah Sze ainsi qu'un texte de la commissaire de l'exposition explorent les références qui se trouvent au coeur du travail de l'artiste et analysent sa préoccupation pour la prolifération des images qui transforment notre relation aux objets, à l'espace et au temps. L'exposition est présentée du 13 octobre 2020 à mars 2021. Le catalogue bilingue français/anglais paraîtra en décembre 2020.

Le Japon est une terre de légendes et de folklores qui, au travers des siècles, a développé une culture du fantastique à nulle autre pareille. Des représentations de yôkai visibles sur des estampes datant de l'époque Edo montrent bien à quel point cette culture des esprits, fantômes, monstres, démons, divinités mineures etc. - autant de figures différentes du yôkai - est présente dans la culture japonaise.

2008 vallée est une extrapolation autour des textes et des musiques du dernier disque Robots après tout de Katerine. C’est aussi un voyage initiatique dans l’univers de ce chanteur atypique.
Dans un décor apparemment vierge, la musique est au premier plan, précédant la danse. Sept personnages en quête de l’autre vont pourtant faire l’apprentissage soit du chant soit de la danse comme un nouveau territoire à conquérir, à investir. Histoires des chansons mêlées aux fictions gestuelles, une forme apparaît sans hiérarchie entre ces deux univers. Ici, pas d’instrument de musique mais des voix et des corps qui viennent détourner les chansons et détrôner la place du chanteur et de la chorégraphe.
2008 vallée est un futur proche, sincèrement utopique, purement fictif et légèrement "hippie". C’est aussi un paysage faussement lunaire, faussement gonflé mais au cœur d’une rencontre bien réelle entre l’univers de ces artistes.

spectacle de et avec katerine et mathilde monnier
avec julien gallée-ferré, natacha kouznetsova, i-fang lin, éric martin, maud le pladec.
musique katerine
assistant à la chorégraphie herman diephuis
scénographie annie tolleter
lumière éric wurtz
son olivier renouf
costumes dominique fabrègue

A Vida Enorme/épisode 1 est un duo constitué de deux parties distinctes et pensé comme un film dont la bande son et l’image sont séparées et présentées à la suite l’une de l’autre.
« La première partie, la bande sonore, est un dialogue entre un homme et une femme qui s’adressent l’un à l’autre depuis deux poèmes du portugais Herberto Helder. L’espace de « situation » (la rue, la chambre) entre dans cette poésie « samplée » en français et en portugais.

Une deuxième couche sonore, rock, vient régulièrement écraser le pseudo réalisme de la première. Ce geste sonore est un mouvement qui dessine un horizon commun aux deux protagonistes à la façon d’un refrain.

L’homme et la femme viennent ensuite inscrire leur présence sur le plateau en deux parcours autonomes qui se conjuguent parfois. Leur physicalité, tour à tour brute et vacillante, imprime son propre récit.

J’ai eu envie de faire travailler les couches délibérément séparées du son et de l’image, celles superposées de la poésie physique et spirituelle de Helder et l’utopie rock de Bowie et celles juxtaposées du découpage opéré pour la langue puis par les corps.

A Vida Enorme/épisode 1 tente un récit dispersé en utilisant les outils cinématographiques tirés vers la scène du spectacle vivant sans qu’il y ait à proprement parler d’image (projetée) sur le plateau, récit dans lequel la langue et le corps célèbrent la chair du monde et son opacité. »

Emmanuelle Huynh, 2002

Pour cette création Mathilde Monnier prend appui sur la nouvelle inachevée 'Lenz' écrite par Georg Büchner en 1835.

La nouvelle de Büchner opère au sens où elle est toujours active, activant une pensée du présent et permettant une appropriation non de l'œuvre elle même mais de ses effets, de son impact, de ses projections - Lenz irradie.

Le soubassement qu'offre Lenz dans sa marche, ouvre des figures importantes, d'abord celle de la frontière, celle du passage "de l'i-é-migré" tentant de traverser les frontières, celle de la difficulté d'avancer, de passer, de comprendre le chemin.
C'est une mise en réseau de ces différents passages - passage de la voix, du geste, du son, de l'espace - qui nous intéresse, développant ou refaisant le voyage de Lenz.
Interférences singulières et liens interactifs surgissent et jalonnent ce chemin. Rien de permanent, une constante modification. C'est dans cette construction d'un paysage spectacle, que se tracent et se déroulent les lignes du chemin, du marcheur et du paysage dans lequel il s'inscrit. Paysage intérieur et extérieur qui ne serait que la projection de son esprit.
C'est dans cette circulation que s'élabore le déplacement du spectacle - écriture du déplacement. Le déplacement physique dans l'espace est aussi le moment du déplacement dans la poésie, rejoignant les grands marcheurs. Serge Daney, a eu besoin de marcher des années pour écrire ses articles sur le cinéma.
Il n'y a pas de but particulier à ce chemin, il n'y a que la recherche du but - tir au but.
La démarche se déroule dans une impossibilité à dessiner son but.

Le poète Lenz a passé sa vie à marcher dans la neige et dans les chemins de montagne. Lenz est un fou marchant, il ne tient véritablement pas en place. Aucune place ne lui est assignée. Il poursuit son chemin sans souci - si ce n'est "de ne pouvoir marcher sur la tête."
Marcher aussi pour oublier dans l'hébétude de la fatigue la marche du monde.

À partir du matériau/Lenz, il s'agit avant tout de traiter d'un espace de ralentissement, pouvoir s'arrêter, dilater le temps, non pour développer une esthétique du mouvement au ralenti, mais bien pour donner un temps de décélération du regard et des perceptions, en rupture avec les temps coupés, saccadés, séparés et ultras accélérés du monde.

Le temps du paysage est un temps contemplatif proposant un espace mental pour désarticuler le regard dans lequel, comme chez le poète, surgit le désordre voire le désastre.

Le film « Don Juan, vues d’ailleurs » est un film chorégraphique adapté pour l’écran. Dans un même langage qu’un film de fiction, il va bien au-delà de la simple «captation», en mettant en lumière toute l’énergie des danseurs et transportant le spectateur dans une autre dimension : celle que le public ne voit jamais. Travail de re-création autour de l’œuvre du chorégraphe, le film dévoile l’univers de Don Juan, tout en restant presque fidèle à l’œuvre première.

extasis
de et avec mathilde monnier et jean-françois duroure
musique kurt weill / bernard herrmann
lumière éric wurtz
création 5.6.8.9 novembre 1985 à la maison de la danse de lyon

" Certes, je n'ai pas l'ambition d'être un ange, bien que mes relations avec eux se soient améliorées depuis quelques temps. De ma huitième à ma douzième année, j'avais pour habitude de me retirer dans une chambre fermée à clé où je faisais des grimaces féroces, tourbillonnais sur moi-même, les poings serrés, pour mettre mon ange K.O. J'éprouvais pour lui une haine totale. Je suis sûre de lui avoir décroché un coup de pied et d'avoir ensuite mordu la poussière. Impossible de blesser un ange, mais j'aurais été heureuse de savoir que je lui avais sali les plumes. "

Heroes, c’est tout d’abord un constat simple, une conviction : chacun de nous est peut-être un héros de sa vie.
Masqué parfois, intermittent sans doute.
 Walter Benjamin disait que le héros moderne, celui du XXe siècle, est l’homme ordinaire, celui de tous les jours et son héroïsme persévère dans des métamorphoses incessantes parfois difficiles à repérer.

J’ai eu envie de soulever cette part de chacun qui fait que nous sommes parfois héroïques, que nous nous tenons vraiment debout.
 Ces mots sont difficiles à prononcer pour notre génération qui s’est peu à peu dépolitisée, a enlevé ces mots de son vocabulaire. Par pudeur, par cynisme, par désabusement.
J’ai souvent prononcé le mot « engagement » lors des répétitions : engagement dans sa voix, dans sa vie, dans son corps, dans la communauté.
J’ai eu envie d’entendre ces textes, ces récits, ces harangues qui mettent les hommes en mouvement.
Pour déjouer aussi le sérieux, nous avons parfois replongé en enfance vers les figures héroïques qui nous ont nourris. Par plaisir et conviction, j’ai eu envie que le rock’n roll comme force et comme utopie nous porte.
Sur scène, une montagne (ou un mur ?) maritime nous accompagne en souvenir des grandes aventures et des combats… à venir.
J’ai eu envie d’entendre nos cris comme des dépenses joyeuses de nos êtres, des appels et aussi des refus de ce à quoi nous ne voulons plus nous soumettre, adhérer, supporter, cautionner. Heroes est un geste/cri qui dit OUI."

Emmanuelle Huynh

Détour au côté de ceux qui ne parlent pas, ceux qui se sont apparemment retirés du monde extérieur.
Suivre à la trace le long de leur espace chamboulé, les parcours qu'ils répètent inlassablement, refaire leurs gestes, s'approprier les places qu'ils occupent.
Explorer ce non sens des gestes, ces non gestes qui apparaissent parfois de l'ordre de la simplicité d'un mouvement dansé.
Pour que nous, qui travaillons sans cesse à la maîtrise de notre corps, puissions nous approcher de ceux dont le corps nous semble vide, évidé à absurde, il nous faut revenir en arrière, marcher à reculons, refaire le chemin du corps à l'inverse.
Quand le langage fait défaut, comment et quand le corps parle-t-il ?
Si le mouvement, à lui seul, ne peut explorer, ni comprendre le corps de ceux-là, il peut s'en approcher en interrogeant l'inconnu.

Pour sa toute première création marseillaise, " La Cité Radieuse ", Frédéric Flamand s'est associé à l'architecte français Dominique Perrault et clôture une trilogie consacrée à la ville, après les spectacles " Metapolis " - réalisé avec la star irako-britannique de l'architecture Zaha Hadid -, et " Silent Collisions " avec Thom Mayne, Pritzker Prize 2005. Le Corbusier à qui le titre rend hommage, rêvait de faire le bonheur des hommes grâce à l'architecture. Flamand et Perrault, s'appuyant sur cette vision utopique, interrogent dans cet opus les nouvelles formes d'utopies liées à l'avènement de la ville-monde générée par le processus de globalisation. Ils revisitent également ce que l'anthropologue Marc Augé appelle les non-lieux (aéroports, shopping centers, gare de transit), espaces d'anonymat qui accueillent chaque jour des individus plus nombreux. Métapoles ou mégalopoles sont aujourd'hui autant d'arènes en perpétuelle mutation où les hommes sont confrontés aux images qu'ils produisent, les corps sont entraînés dans des flux incessants d'énergie, dans l'entrelacs des réseaux. Les repères identitaires changent en même temps que l'organisation de l'espace. Le dispositif scénique constitué d'écrans mobiles en maille métallique, caractéristique de nombreuses réalisations de Dominique Perrault, fait éclater le cadre traditionnel de la représentation, chorégraphie un jeu d'apparitions, de disparitions, confronte le corps réel et ses démultiplications relayées par un jeu d'images.

Direction artistique / Conception : Frédéric Flamand, Dominique Perrault
Assistance direction artistique / conception : Bernard Degroote
Chorégraphie : Frédéric Flamand
Assistance à la chorégraphie : Cristina Dias, Danseurs du Ballet National de Marseille
Interprétation : Danseurs du Ballet National de Marseille
Conseil artistique / Dramaturgie : Bernard Degroote
Mise en scène : Frédéric Flamand
Scénographie : Dominique Perrault
Conception vidéo : Frédéric Flamand, Jean-Christophe Aubert
Lumières : Nicolas Olivier, Frédéric Flamand
Costumes : Annelies Van Damme
Direction technique : Frédéric Granger
Son : Jacques-Yves Le Docte

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Ballet National de Marseille, Festival de Marseille (F), Fondazzione Teatro Due - Parma (I)
Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Ballet National de Marseille

Durée : 1'15

« Après avoir travaillé ensemble pour la pièce Numéro, Nicolas Floc’h et Emmanuelle Huynh continuent avec La Feuille de confronter leurs visions de l’espace sur scène…

Des monochromes polymorphes flottent, se dressent, s’évanouissent dans l’espace vide.

Créée à l’occasion d’une exposition de Christophe Cuzin dans la Chapelle du Genêteil de Château-Gontier, cette performance est aujourd’hui reprise et adaptée aux différents cadres dans lesquels elle est présentée. »

La place du singe

mathilde monnier & christine angot
création à montpellier danse 05

8 ans après Arrêtez, arrêtons, arrête, Mathilde Monnier retrouve l’écrivain Christine Angot mais cette fois les deux artistes sont elles mêmes sur le plateau. Elles s’expriment dans un duo où chacune va prendre la parole, par la danse, par le texte. L’enjeu, c’est de faire l’expérience de ce qu’on peut avoir à dire ensemble sur scène.

"Qu’est-ce que la bourgeoisie ? Qu’est-ce que le bonheur ? Est-ce que je suis bourgeoise, est-ce que je suis heureuse ? Y a-t-il des critères ? Est-ce que je les connais ? Comment je les connais ? Qui me les a enseignés ? Mathilde Monnier est née dans une famille bourgeoise d’industriels alsaciens de Mulhouse. Dans laquelle elle ne s’est jamais sentie bien. On ne se sent donc pas bien dans la bourgeoisie ? Pourtant c’est notre modèle à tous. Et moi, quelles sont mes racines sociales ? Quelles sont nos racines sociales, et nos aspirations bourgeoises, est-ce que nous y comprenons quelque chose ? Quel est mon rapport à la bourgeoisie, à quel degré j’en viens ? Par rapport à la bourgeoisie, quel est notre mélange de fascination, de fierté et de détestation ? Est-ce que nous comprenons les codes bourgeois ? Se contenir. Le bourgeois c’est celui qui accepte tout pour se fondre dans sa classe. Il n’étouffe pas. Il aménage des bouffées d’oxygène, où il satisfait certains désirs personnels, certaines pulsions. L’art, le théâtre, c’est quoi pour lui ? Une bouffée d’oxygène aussi, ou d’angoisse? Qui lui rappelle qu’il a une vie de rêve, qu’il possède tout sur terre sauf le plateau, la littérature, l’imaginaire ?" christine angot

« On produit beaucoup de gestes, de tentatives – ce que nous, danseurs, nommons improvisations. Et chaque pièce laisse derrière elle son cortège de danses non choisies, non retenues, perdues… Cependant ces reliefs appartiennent au travail même : j’ai le sentiment qu’ils le façonnent, au même titre, bien qu’invisibles, que tous les gestes retenus pour incarner la pièce. C’est plonger dans le journal de vie d’une pièce que de se retourner vers cela. »
Plonger, dit-elle. Elle, c’est Emmanuelle Huynh, qui, en tant qu’interprète et chorégraphe fut l’une des fortes individualités responsables du profond renouvellement de la danse contemporaine survenu au milieu des années 1990.
Plonger dans le tas d’archives constituées, sous forme de vidéo-cassettes précisément datées, depuis Mua (1995), solo emblématique.
Plonger afin « de faire résonner ce que les danses ont vu hier et qui aujourd’hui figure ou défigure le monde avec intensité ».
Dans ce plongeon révélateur (au sens photographique du terme), Emmanuelle Huynh, coutumière des expériences croisant diférentes pratiques artistiques, embarque le musicien Pierre Jodlowski et l’écrivain François Bon – tous trois, en prise directe sur la matière, œuvrant de concert à extraire du vivant de tout ce corpus résiduel. Dénué de tout épanchement nostalgique, Le Grand Dehors ne se borne pas à reproduire des mo(uve)ments, au risque de les figer, mais procède d’un puissant élan (ré)générateur : cette pièce conçue pour plusieurs interprètes, relie le passé au présent, et l’intimité à l’actualité, en une palpitante réflexion sur le travail de la mémoire – autant que sur la mémoire du travail.

Voyage polyphonique à travers des lieux utopiques. Ce journal chorégraphique se déroule sur deux ans de travail et associe à ce projet de nombreux artistes interprètes, qui de près ou de loin, ont cheminé à mes côtés, états des lieux de ces rencontres. Instantanéité d'un spectacle mouvant, où le processus opératoire sera le corps commun.

"Les non lieux" et "Dans les plis" sont les deux premiers volets de cette pièce où l'attention est portée sur la figure du chœur, du groupe en tant que corps commun, traversant des figures mythiques, banales, singulières, picturales, de foule, de masse, de tas, de présences.

Dans la troisième partie, le danseur qui, se dégageant du chœur, reste sur scène, est confronté à l'absurdité de sa solitude. Expulsé, extirpé de la masse, il s'empêtre les pieds aux prises avec une foule désormais invisible. "Foule, je me débrouillerai dans ma foule, tout comme toute chose est foule, toute pensée, tout instant, tout geste." Henri Michaux

Déteint et métamorphosé au contact de ceux qu'il a trop côtoyés, il cherche dans la figure du clown sa propre substance, une autre image de lui-même.
Dans cette nouvelle partie intitulée "Quelque part, quelqu'un", inspiré par la poésie d'Henri Michaux, chaque soir un danseur, choisi au hasard parmi le chœur, tente de s'accommoder de l'absence des autres par la dérision et l'humour.

Le spectacle du chorégraphe Frédéric Flamand, avec Humberto et Fernando Campana en charge de la scénographie et des costumes, s’inspire librement du texte Les Métamorphoses d’Ovide, poème mythologique latin composé de quinze livres, écrits vers l’an I ou II après JC.

La mutation accélérée de nos villes a-t-elle aiguisé notre réflexion sur le rapport étroit entre les individus et l'architecture qui conditionne leur quotidien ? Pour le chorégraphe Frédéric Flamand, cette préoccupation est aujourd'hui centrale. Elle débute en 1996 par une collaboration étroite avec les architectes américains Elisabeth Diller et Ricardo Scofidio dans la conception du spectacle Moving Targets.

Le Festival de Marseille, sensible à cette problématique innovante, a présenté l'oeuvre à l'Opéra de Marseille dès 1998. À chacun de ses projets suivants, le chorégraphe belge a approfondi cette recherche, bénéficiant du concours de grands noms de l'architecture, mondiale comme Jean Nouvel, Dominique Perrault et Zaha Hadid. Plus encore que de « faire danser l'espace », ces différents travaux, accompagnés d'un dispositif multimédia, ont montré la pertinence d'une relation, dans la conception même du spectacle, entre l'architecte et le chorégraphe : « Tout l'espace est en mouvement, explique Frédéric Flamand. On ne sait plus si les danseurs dansent devant ces structures et les images ou, au contraire, s'ils en sont les réceptacles ».

Zaha Hadid et Frédéric Flamand donnent une suite à leur première collaboration chorégraphie/architecture avec Metapolis II. Nourrie par les grandes avant-gardes du XXe siècle, Zaha Hadid aime à se définir comme une Babylonienne avec « 5000 ans de culture », revendiquant son patrimoine oriental.

Par le Ballet National de Marseille.

"Monster Project est composé de deux gestes artistiques : une première partie, Kaibutsu (« monstre » en japonais) est un solo chorégraphié par Kosei Sakamoto ; la deuxième partie intitulée Futago (« jumelle » en japonais) réunit les deux interprètes dans un duo imaginé par Emmanuelle Huynh, sur la même thématique du monstre.

Né d’une mise en dialogue de deux écritures chorégraphiques différentes, Monster Project est un projet de croisements de pensées, de cultures et de langages chorégraphiques. Emmanuelle Huynh rencontre le chorégraphe japonais Kosei Sakamoto, directeur de la compagnie Monochrome Circus et fondateur du Kyoto Creators Meeting, rencontre internationale d’artistes au centre d’art de Kyoto, lors d’une résidence à la Villa Kujoyama en 2001. Monster Project, né de la rencontre de ces deux artistes, s’est construit en 2005-2006 à travers les échanges entre le CNDC et la communauté de danseurs japonais que Kosei Sakamoto fédère pendant le grand stage annuel d’avril : l’International Dance Workshop Festival à Kyoto.

La vision de Sakamoto du monstre se déplie dans un solo traversé par des réminiscences de Francis Bacon et Agota Kristof. Je considère la forme même du solo comme une surexposition qui est elle-même monstrueuse.
Le même, le gémellaire recèle aussi une forme de monstruosité. J’écris donc un unisson où la différence émanera de la « mise au pas ». Le souvenir des jumelles du film The Shining de Stanley Kubrick surgit dans le travail. La Messe pour le temps présent de Pierre Henry s’impose car le rythme des Jerks électroniques, du Rock too fortiche, soutiennent avec humour et force ce que j’imagine être le jeu douillet de deux jeunes femmes qui se suivent, s’imitent, s’amusent et se débattent comme des siamoises endiablées à construire un corps à huit membres."

Distribution et crédits :

Durée : 60 minutes

Chorégraphies Kosei Sakamoto (Kaibutsu) et Emmanuelle Huynh (Futago)
Interprétation Aline Landreau et Yuka Saeki en alternance avec I-Fang Lin

Musique Kaibutsu Daito Manabe \ musique Futago extraits de Messe pour le temps présent de Pierre Henry
Costumes Kaibutsu Kyoko Domoto \ costumes Futago Emmanuelle Huynh
Lumière Tomohiko Watarikawa et Takayuki Fujimoto (Dumb Type)

Production Compagnie Múa, coproduction Centre national de danse contemporaine Angers et Monochrome Circus Kyoto
spectacle créé le 15 mars 2008 à l’Atelier Gekken, Kyoto, Japon

Dans ce spectacle, Jean-Claude Gallotta rassemble danse contemporaine et rock, qui, depuis les années cinquante, n’avaient jamais trouvé à se croiser ni s’influencer. Une pièce constituée d’une quinzaine de courtes séquences dansées par douze danseurs sur des titres emblématiques de monuments du rock : Elvis Presley, Patti Smith, Leonard Cohen…

Numéro est un duo entre l'artiste visuel Nicolas Floc'h et la chorégraphe Emmanuelle Huynh.

En 2001, Emmanuelle Huynh avait commandé une structure modulable à Nicolas Floc'h pour Bord, tentative pour corps, textes et tables. Dans Numéro, les deux artistes ont voulu confronter très directement leur façon de penser l'espace, la trajectoire et la masse en une dramaturgie plastique dans laquelle la lumière est un protagoniste important. Numéro est pensé comme un tour de prestidigitation dont les ingrédients sont : des objets détournés qui menacent, des souvenirs du Japon, une ombre chinoise, des lumières volantes, un peu de science-fiction. Il y a aussi un insecte étrange, un carton qui prend vie, une femme sur des talons, sexy, avec des lunettes lui donnant des allures d'un personnage manga. Il y aussi un mikado géant.

Conception Emmanuelle Huynh et Nicolas Floc’h
Avec Emmanuelle Huynh et Nicolas Floc’h
Lumières Yannick Fouassier

Durée : 50 minutes

Production compagnie Múa et Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc-Roussillon.
Pièce créée en 2002 à la Ménagerie de Verre, Paris.

Parce que la tragédie grecque ne mettait pas en scène des personnages mais des forces, des tensions, des chocs et des formes particulières de désirs, la danse et les choeurs y tenaient une place essentielle. La force du non d'Antigone, figure même de la désobéissance qui refuse jusqu'à l'impasse et, au prix de sa vie, la loi des hommes pourrait-elle alors se manifester autrement que par des intensités de corps qui échappent à eux-mêmes ?

"La nuque baignant dans le goudron brûlant du soir, un jeune homme sur le point de mourir se souvient… Tout contre lui, son frère, mort. Plus loin, leur scooter renversé dont la roue avant tourne encore.
Il se souvient que tous deux se rendaient à l'aéroport, chemise blanche ouverte, sans casque, comme dans les films néo-réalistes italiens. Ils allaient attendre deux filles, d'Afrique, Shade et Adila, rencontrées sur Internet. Joyeux, tellement trop joyeux. Pas tout à fait Vitelloni, mais un peu inconscients quand même. Un soir plein de promesses. En chemin, zigzags entre les voitures, slalom sur la ligne blanche. La vita è bella. Les noms de Shade et Adila chantés à tue-tête dans le vent du soir. Deux frères. Un soir plein de promesses." - Claude-Henri Buffard - 2006

Chorégraphie : Jean-Claude Gallotta
Assistance à la chorégraphie : Mathilde Altaraz
Interprétation : Théophile Alexandre, Mathieu Heyraud
Conseil artistique / Dramaturgie : Claude-Henri Buffard
Musique originale : Strigall
Costumes : Jacques Schiotto
Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Centre chorégraphique national de Grenoble

Commissaire d'exposition, historien et critique d'art, Hans Ulrich Obrist (né en 1968 à Zurich) est codirecteur des expositions et directeur des projets internationaux de la Serpentine Gallery à Londres depuis 2006. En 2014, à l'occasion des trente ans de la Fondation Cartier, Hans Ulrich Obrist propose L'Entretien infini - titre emprunté à Maurice Blanchot -, un marathon de la conversation avec les artistes, scientifiques et penseurs proches de la Fondation Cartier et de sa programmation. Depuis, de nombreux entretiens ont eu lieu avec d'autres artistes et scientifiques à l'occasion des expositions Le Grand Orchestre des Animaux (2016), Junya Ishigami, Freeing Architecture (2018) et Géométries Sud, du Mexique à la Terre de feu (2018).
L'intégralité de ces entretiens est aujourd'hui rassemblée dans ce livre invitant à transcender les frontières entre les disciplines et de faire voyager les idées.

"Pitié pour la viande ! Il n'y a pas de doute, la viande est l'objet le plus haut de la pitié de Bacon, son seul objet de pitié, sa pitié d'Anglo-Irlandais. Et sur ce point, c'est comme pour Soutine, avec son immense pitié de Juif. La viande n'est pas une chair morte, elle a gardé toutes les souffrances et pris sur soi toutes les couleurs de la chair vive. Tant de douleur convulsive et de vulnérabilité, mais aussi d'invention charmante, de couleur et d'acrobatie. Bacon ne dit pas "pitié pour les bêtes" mais plutôt tout homme qui souffre est de la viande. La viande est la zone commune de l'homme et de la bête, leur zone d'indiscernabilité, elle est ce "fait", cet état même où le peintre s'identifie aux objets de son horreur ou de sa compassion. Le peintre est boucher certes, mais il est dans cette boucherie comme dans une église, avec la viande pour Crucifié ("peinture" de 1946). C'est seulement dans les boucheries que Bacon est un peintre religieux."

Soutiens-gorge rembourrés pour fillettes, obsession de la minceur, banalisation de la chirurgie esthétique, prescription insistante du port de la jupe comme symbole de libération : la " tyrannie du look " affirme aujourd'hui son emprise pour imposer la féminité la plus stéréotypée. Décortiquant presse féminine, discours publicitaires, blogs, séries télévisées, témoignages de mannequins et enquêtes sociologiques, Mona Chollet montre dans ce livre comment les industries du " complexe mode-beauté " travaillent à maintenir, sur un mode insidieux et séduisant, la logique sexiste au coeur de la sphère culturelle.
Sous le prétendu culte de la beauté prospère une haine de soi et de son corps, entretenue par le matraquage de normes inatteignables. Un processus d'autodévalorisation qui alimente une anxiété constante au sujet du physique en même temps qu'il condamne les femmes à ne pas savoir exister autrement que par la séduction, les enfermant dans un état de subordination permanente. En ce sens, la question du corps pourrait bien constituer la clé d'une avancée des droits des femmes sur tous les autres plans, de la lutte contre les violences à celle contre les inégalités au travail.

La conviction qui nous anime en prenant aujourd’hui la parole, c’est que plutôt que de se taire par peur d’ajouter des polémiques à la confusion, le devoir des milieux universitaires et académiques est de rendre à nouveau possible la discussion scientifique et de la publier dans l’espace public, seule voie pour retisser un lien de confiance entre le savoir et les citoyens, lui-même indispensable à la survie de nos démocraties. La stratégie de l’omerta n’est pas la bonne. Notre conviction est au contraire que le sort de la démocratie dépendra très largement des forces de résistance du monde savant et de sa capacité à se faire entendre dans les débats politiques cruciaux qui vont devoir se mener, dans les mois et les années qui viennent, autour de la santé et de l’avenir du vivant.

L’écologie ne doit pas se laisser absorber dans un courant qui, finalement, dessert ses objectifs.

La chose est entendue : nous ne vivons plus dans un système climatique stable, la biodiversité s’érode, les océans s’acidifient. En entrant dans l’ère de l’Anthropocène, nous avons perdu le contrôle de notre monde. La science de l’effondrement, ou collapsologie, affirme que la catastrophe est inévitable et qu’il ne nous reste plus qu’à nous y préparer. Il nous faut accepter la chute, que l’on s’en désespère ou que l’on y trouve une jouissance coupable. Autrement dit, « il n’y a pas d’alternative » – comme le disait en son temps Margaret Thatcher.

Or il y a une alternative. Il y en a même de très nombreuses, car ailleurs la catastrophe est déjà arrivée et a déjà donné naissance à des mobilisations politiques et écologiques. Le catastrophisme, cette construction récente qui touche les classes moyennes occidentales, c’est un « récit du Tout », un récit dépolitisé qui nous encourage à nous prendre en charge de manière privée. Or, c’est en politisant l’écologie et en adoptant un point de vue local que nous verrons se rouvrir les possibilités d’action, dans leur pluralité. C’est ainsi que nous éviterons la catastrophe – car elle est évitable.

« Un ouvrage subtil et tranchant ; à lire et à méditer d’urgence en ces temps troublés ! » Écologie et politique

« Une réhabilitation de la politique contre le défaitisme ambiant. » Philosophie Magazine

Tel est le chemin éternel de l’humanisme : comment l’homme a cherché à se construire, à grandir, entrelacé avec ses comparses,
pour grandir le tout, et non seulement lui-même, pour donner droit de cité à l’éthique, et ni plus ni moins aux hommes. Quand la civilisation n’est pas soin, elle n’est rien.
Cynthia Fleury

Soigner, la chose est ingrate, laborieuse, elle prend du temps, ce temps
qui est confisqué, ce temps qui n’est plus habité par les humanités. Ici se déploie une tentative de soigner l’incurie du monde, de poser au cœur du soin, de la santé, et plus généralement, dans nos relations avec les autres, l’exigence de rendre la vulnérabilité capacitaire et de porter l’existence de tous comme un enjeu propre, dans toutes les circonstances de la vie.
Cynthia Fleury expose une vision humaniste de la vulnérabilité, inséparable de la puissance régénératrice des individus ; elle conduit à une réflexion sur l’hôpital comme institution, sur les pratiques du monde soignant et sur les espaces de formation et d’échanges qui y sont liés, où les humanités doivent prendre racine et promouvoir une vie sociale et politique fondée sur l’attention créatrice de chacun à chacun.

Chacun des essais réunis dans ce recueil témoigne de la façon dont William Cronon, en intellectuel engagé, a profondément renouvelé les manières d'écrire l'histoire. Par l'étude des changements environnementaux entraînés par la colonisation des États-Unis, ces écrits questionnent non seulement la figure du chercheur en historien de l'environnement mais, plus encore, le rôle que peut jouer l'histoire environnementale dans la compréhension des bouleversements écologiques actuels. Comment les identités humaines sont-elles façonnées par leur rapport à la nature?? Quelle place attribuer au «?sens du lieu?», à l'heure de la montée irrépressible de l'échelle globale?? La forme rhétorique du récit permet-elle de rendre compte des inégalités et des rapports de force qui se tissent autour de la nature?? En retraçant les relations, souvent obscures, entre l'histoire humaine et les changements écologiques, l'histoire environnementale ouvre des pistes précieuses pour penser et agir avec le monde qui nous entoure. Nature et récits est le premier livre à introduire William Cronon en France.

La situation critique dans laquelle se trouve la planète n'est plus à démontrer. Des effondrements sont déjà en cours tandis que d’autres s’amorcent, faisant grandir la possibilité d’un emballement global qui signifierait la fin du monde tel que nous le connaissons.
Le choix de notre génération est cornélien : soit nous attendons de subir de plein fouet la violence des cataclysmes à venir, soit, pour en éviter certains, nous prenons un virage si serré qu’il déclencherait notre propre fin-du-monde-industriel.
L’horizon se trouve désormais au-delà : imaginer la suite, tout en se préparant à vivre des années de désorganisation et d’incertitude. En toute honnêteté, qui est prêt à cela ?
Est-il possible de se remettre d’un déluge de mauvaises nouvelles ? Peut-on simplement se contenter de vouloir survivre ? Comment se projeter au-delà, voir plus grand, et trouver des manières de vivre ces effondrements ?
Dans ce deuxième opus, après Comment tout peut s’effondrer, les auteurs montrent qu’un changement de cap ouvrant à de nouveaux horizons passe nécessairement par un cheminement intérieur et par une remise en question radicale de notre vision du monde. Par-delà optimisme et pessimisme, ce sentier non-balisé part de la collapsologie et mène à ce que l’on pourrait appeler la collapsosophie…

Pablo Servigne, Raphaël Stevens et Gauthier Chapelle ont une (dé)formation scientifique et sont devenus chercheurs in-Terre-dépendants. Ils ont publié Comment tout peut s’effondrer. Petit Manuel de collapsologie à l’usage des générations présentes (Seuil, 2015), Le Vivant comme modèle. La voie du biomimétisme (Albin Michel, 2015), Petit traité de résilience locale (ECLM, 2015), Nourrir l’Europe en temps de crise (Babel, 2017) ou encore L’Entraide. L’autre loi de la jungle (Les liens qui libèrent, 2017).

En novembre 2019, Paul Preciado s’exprime devant 3500 psychanalystes lors des journées internationales de l’Ecole de la Cause Freudienne à Paris. Devant la profession qui l’a diagnostiqué « malade mental » et « dysphorique du genre », il s’appuie sur Kafka et son Rapport pour une académie, dans lequel un singe parlant discourt devant une assemblée de scientifiques. Loin de toute émancipation, le singe parlant de Kafka explique que son apprentissage du langage ne fut qu’un passage d’une cage à une autre : des barreaux de fer à la subjectivité humaine.
Depuis sa cage de « mutant », il ne s’agit pas pour Preciado de parler de l’homophobie ou la transphobie des pères fondateurs de la psychanalyse, mais de montrer la complicité de celle-ci avec une idéologie de la différence sexuelle datant de l’ère coloniale, aujourd’hui rendue obsolète par les moyens dont nous disposons pour influer sur nos corps et notre façon de procréer.
Surtout, le philosophe lance un appel à la transformation des discours et des pratiques psychologiques et psychanalytiques : dans les années à venir, nous devrons élaborer collectivement une épistémologie capable de rendre compte de la multiplicité des vivants, sans réduire le corps à sa force reproductive hétérosexuelle, et qui ne légitime pas la violence hétéro-patriarcale et coloniale.
La conférence provoque un séisme dans l’auditoire et depuis les associations psychanalytiques se déchirent. Filmé par des smartphones, le discours est mis en ligne et des fragments sont retranscrits, traduits et publiés sur internet sans souci d’exactitude. Afin d’élargir le débat, il importait de publier ce texte dans son intégralité.

« Enfant, je m’imaginais en garçon. J’ai depuis réalisé un rêve bien plus grand : je suis lesbienne. Faute de modèles auxquels m’identifier, il m’a fallu beaucoup de temps pour le comprendre. Puis j’ai découvert une histoire, une culture que j’ai embrassées et dans lesquelles j’ai trouvé la force de bouleverser mon quotidien, et le monde. »

Journaliste dans un quotidien pendant plusieurs années, la parole d’Alice Coffin, féministe, lesbienne, militante n’a jamais pu se faire entendre, comme le veut la sacrosainte neutralité de la profession. Pourtant, nous dit-elle, celle-ci n’existe pas.

Dans cet essai très personnel, Alice Coffin raconte et tente de comprendre pourquoi, soixante-dix ans après la publication du Deuxième sexe, et malgré toutes les révolutions qui l’ont précédé et suivi, le constat énoncé par Simone de Beauvoir, « le neutre, c’est l’homme », est toujours d’actualité. Elle y évoque son activisme au sein du groupe féministe La Barbe, qui vise à « dénoncer le monopole du pouvoir, du prestige et de l’argent par quelques milliers d’hommes blancs. » Elle revient sur l’extension de la PMA pour toutes, sur la libération de la parole des femmes après #Metoo ; interroge aussi la difficulté de « sortir du placard ». Et sans jamais dissocier l’intime du politique, nous permet de mieux comprendre ce qu’être lesbienne aujourd’hui veut dire, en France et dans le monde.

Combattif et joyeux, Le génie lesbien est un livre sans concession, qui ne manquera pas de susciter le débat.

John Dewey (1859-1952) est un des piliers du «pragmatisme». Au centre de cette tradition, il y a l’enquête, c’est-à-dire la conviction qu’aucune question n’est a priori étrangère à la discussion et à la justification rationnelle.
Dewey a porté cette notion d’enquête le plus loin : à ses yeux, il n’y a pas de différence essentielle entre les questions que posent les choix éthiques, moraux ou esthétiques et celles qui ont une signification et une portée plus directement cognitives. Aussi aborde-t-il les questions morales et esthétiques dans un esprit d’expérimentation – ce qui tranche considérablement avec la manière dont la philosophie les aborde d’ordinaire, privilégiant soit la subjectivité et la vie morale, soit les conditions sociales et institutionnelles.
Dans L’art comme expérience, la préoccupation de Dewey est l’éducation de l’homme ordinaire. Il développe une vision de l’art en société démocratique, qui libère quiconque des mythes intimidants qui font obstacles à l’expérience artistique.

De tout temps, les femmes ont agi. Elles ont régné, écrit, milité, créé, combattu, crié parfois. Et pourtant elles sont pour la plupart absentes des manuels d'histoire.
" C'est maintenant, à l'âge adulte, que je réalise la tromperie dont j'ai été victime sur les bancs
de l'école. La relégation de mes ancêtres femmes me met en colère. Elles méritent mieux. Notre
histoire commune est beaucoup plus vaste que celle que l'on nous a apprise. "
Pourquoi ce grand oubli ? De l'âge des cavernes jusqu'à nos jours, Titiou Lecoq s'appuie sur
les découvertes les plus récentes pour analyser les mécanismes de cette vision biaisée de l'Histoire.
Elle redonne vie à des visages effacés, raconte ces invisibles, si nombreuses, qui ont modifié
le monde. Pédagogue, mordante, irrésistible, avec elle tout s'éclaire. Les femmes ne se sont
jamais tues. Ce livre leur redonne leurs voix.
" Femme libre et engagée, esprit avide et curieux, écrivaine confirmée, Titiou Lecoq livre un
grand récit, passionnant et vrai. " Michelle Perrot

Pour qui apprécie l’art chorégraphique, la danse contemporaine peut souvent dérouter : scènes sans corps, présence accrue d’autres arts ou technologies qui perturbent l’identité de la représentation. Pourquoi en arrive-t-on à parler de spectacles hybrides ? On expliquera dans ce livre que la danse cultive l’art de déjouer toute tentative de substantialisation et que le projet d’être contemporain ne se confond pas avec celui de faire rupture avec l’histoire de la danse ou de l’art. Il est vrai qu’il devient toujours plus difficile de s’en remettre à une ontologie classique de l’œuvre pour saisir ce qui se passe sur les scènes depuis dix ans. Pour autant, ce court essai tente, en usant du paradigme de l’hybride, d’aider à comprendre ce qui se manifeste désormais dans le projet d’être contemporain pour un danseur-chorégraphe. On y trouvera de nombreuses descriptions d’œuvres récentes et quatre portraits de figures importantes de la scène actuelle, exemplaires de l’intention d’être contemporain comme forme d’engagement.

Ce livre confronte les points de vue de créateurs, penseurs et pédagogues du domaine artistique et de l’enseignement général. Il aborde les questions de création, de recherche, de transmission de l’art et de pédagogie. Il interroge la présence des artistes à l’école, de la maternelle à l’université, spécificité française qui oblige à repenser et à adapter le processus éducatif.

L’originalité d’ARFAE (Atelier de Recherche sur la Formation des Artistes et des Enseignants) est de proposer une réflexion portée par des établissements d’enseignement supérieur ayant en charge, pour les uns – l’ENSATT et Le Pont Supérieur – la formation de futurs créateurs, et pour les autres – l’Université Lyon2 et l’Université de Nantes – celle de futurs professeurs. Cela offre au lecteur un dialogue entre artistes et universitaires, toujours riche car souvent à front renversé.

Conjuguant les analyses, les témoignages et les approches sensibles, ce livre est à mettre entre toutes les mains : celles des artistes en devenir ou en activité, celles des pédagogues et futurs pédagogues, celles des professionnels de la culture et de l’éducation populaire, celles de tous ceux que la transmission (de l’art en particulier) passionne.

Cinq siècles de créativité féminine révélés par plus de 400 œuvres d’arts fascinantes réunies dans un ouvrage de référence

Cet ouvrage est le plus complet et le plus illustré jamais publié sur les femmes artistes. 400 Femmes artistes reflète une époque où l’art réalisé par les femmes occupe une place plus importante que jamais. Dans les musées, les galeries et sur le marché de l’art, les artistes d’hier et d’aujourd’hui, jusque-là négligées, sont enfin reconnues et appréciées à leur juste valeur. Présentant plus de 400 artistes, chacune à travers une de ses oeuvres clé et un court texte, ce volume essentiel dévoile une histoire parallèle, mais tout aussi fascinante de l’art sur une période caractérisée par une immense diversité d’expressions.

En 2019, trente-huit ans après la Troisième Guerre mondiale, Néo-Tokyo arrive au terme de sa reconstruction. Dans cette ville sans âme errent Kaneda et sa bande. Des jeunes désœuvrés, élèves d’un centre d’apprentissage professionnel, qui n’ont que leur moto et leurs virées nocturnes pour seule échappatoire à l’ennui du quotidien. Mais une nuit, ils trouvent sur leur route un être des plus étranges, un enfant au visage de vieillard, avec un numéro tatoué sur la main : le numéro 26. En tentant de l’éviter, Tetsuo chute à moto et se blesse grièvement. Il se réveille dans un hôpital de l’armée avec des pouvoirs surnaturels qu’il lui faut désormais apprendre à contrôler. De retour parmi ses amis, il se rebelle contre l’autorité de Kaneda et finit par quitter le groupe…
Cette version pilotée depuis le Japon par Otomo lui-même est la version définitive permettant de découvrir Akira dans une forme fidèle. Nouvelle traduction, onomatopées sous-titrées, sens de lecture japonais, jaquette originale… Akira se propose à vous en 6 volumes, noir et blanc, de toute beauté.

Logements inabordables, salaires de misère, systèmes de santé inexistants ou dysfonctionnels, catastrophe climatique, rejet des migrant·e·s, violences policières… on entend peu les féministes s’exprimer sur ces questions. Pourtant, elles ont un impact majeur sur la vie de l’immense majorité des femmes à travers le monde.
Les grèves des femmes qui se multiplient aujourd’hui en Argentine, en Pologne, aux États-Unis ou ailleurs s’emparent de ces problématiques et témoignent du fait que les revendications féministes ne sont pas isolées de celles d’autres mouvements. Et c’est tout l’enjeu de ce manifeste, inspiré par ces nouveaux mouvements féministes : face à un système néolibéral qui concentre toutes les aliénations, injustices et inégalités et instrumentalise certaines luttes sociales pour servir ses velléités impérialistes et engranger le plus de profits possible, le féminisme doit repenser son agenda théorique comme militant.
Trois des organisatrices de la Grève internationale des femmes s’engagent ainsi avec ce manifeste pour un féminisme véritablement inclusif, capable de faire converger l’anticapitalisme, l’antiracisme, l’écologie politique, l’internationalisme et l’anti-hétérosexisme : un féminisme pour les 99 %.

Cette édition est entièrement consacrée au Contact Improvisation, forme de danse née aux États-Unis dans les années 70. Elle dresse un large panorama de l’évolution de cette forme, visant aussi bien à en ressaisir l’histoire et le contexte de son apparition qu’à percevoir ses divers
développements et ses apports spécifiques à la démarche d’artistes ayant été nourris de cette
invention étonnante.

1968-2018, cinquante ans d'histoire pour une révolution chorégraphique. 1968, les corps défilent dans les rues, les bras se lèvent, le buste en avant, poings serrés, une chorégraphie sociale de la manifestation. Le corps qui se jette dans la bataille est jeune, un corps qui lutte pour être « contemporain ». 1968, la danse accompagne le mouvement, et fait sa révolution : la « Danse contemporaine » est née – l'appellation est officielle. C'est toute l'histoire de ce mot, des valeurs de libération, d'émancipation sociale aussi, que racontent les 50 ans du premier centre chorégraphique national, le Ballet-Théâtre contemporain jusqu'au CCN – Ballet de Lorraine.

En Europe comme aux États-Unis, tout au long du XXe siècle, la danse contemporaine est marquée par l’apparition de langages chorégraphiques radicalement nouveaux. A ce titre, elle est devenue aujourd’hui, avec le cinéma, un des modes d’expression artistique les plus importants. En faire l’histoire, n’est-ce pas d’abord se pencher sur le travail des danseurs-chorégraphes qui en furent les principaux acteurs ? La pratique et la réflexion critique de Rudolf Laban (1879-1958) et Mary Wigman (1886-1973) constituent deux des grandes impulsions fondatrices de cette aventure chorégraphique. Elles témoignent de la quête d’une pensée motrice, d’un usage de soi et d’un art du transport qui furent des réponses particulières aux exigences du présent. S’il y eut un art moderne, que pouvait donc signifier une danse moderne pour ceux qui l’inventaient, et qui préféraient d’ailleurs l’appeler expérience de danse ? Cette modernité se situait hors des cadres d’une technique fondée sur un modèle esthétique unique. Et ces expériences mettaient en cause les fonctions et le statut même de la danse au sein d’une époque qui avait perdu une part de son savoir du mouvement. En analysant les itinéraires de ces deux grands artistes, cet ouvrage propose de découvrir, loin de toute généalogie hagiographique, les dynamiques profondes qui les animèrent et qui irriguent toujours les forces vives de la danse contemporaine. En prendre la mesure, c’est aussi – inévitablement – s’interroger sur la manière d’écrire l’histoire de la danse aujourd’hui.

« Implicitement, j’avais analysé et mémorisé les deux premiers mouvements de la manière suivante : le bras forme une ligne droite qui décrit un arc de cercle vers le bas ; au moment précis où il passe devant le genou, celui-ci se fléchit, puis le tronc bascule d’environ 20 ° vers l’avant, etc. Il était impossible d’exécuter correctement la phrase de Set and Reset avec cette lecture du mouvement. La suivante fonctionnait mieux : je laisse tomber le poids du bras étendu, le bras entraîne dans sa chute le genou dont le fléchissement fait basculer le torse, et ainsi de suite. »

Danseuse novatrice américaine, née en 1920, Anna Halprin est également plasticienne, militante pour les droits de l’homme et créatrice des « danses planétaires ».
Suite à la publication de son livre Making Dances that Matter en 2019, ce numéro examinera un siècle de danse au prisme d'Anna Halprin, un siècle de transmission et de sensibilisation dans le monde entier.
Avec la participation de divers interprètes, enseignants et commissaires, ce numéro sera également réalisé avec l'aide de l'Institution Tamalpa, afin d'interroger l'influence de longue durée de la chorégraphe sur la danse en France et au-delà.

p.5 - Anna Halprin, Pionnière de la postmodern dance
Jacqueline Caux

p. 10 - Quand l’enseignement d’Anna Halprin arrive en France
Henri Guette

p. 13 - Une oeuvre-milieu ?
Anne Collod

p. 17 - La Planetary Dance d’Anna Halprin, faire communauté au temps des catastrophes ou danse mondialisée ?
Joanne Clavel, Camille Noûs, et Julie Perrin

p. 22 - L’empathie esthétique : entretien avec Daria Halprin, pilier du Tamalpa Institute
Marisa Hayes

p. 26 - En quête d’oxygène : Alessandro Pontremoli à la rencontre d’Anna Halprin
Gaia Clotilde Chernetich

p. 29 - Un héritage insaisissable
Sherwood Chen

Anne Teresa De Keersmaeker (°1960) a fondé la compagnie de danse Rosas en 1983. Son travail chorégraphique explore inlassablement les liens entre danse et musique, et s’affronte aux structures musicales et aux partitions de toutes les époques, de la musique ancienne à la musique contemporaine en passant par les expressions populaires. Sa pratique puise en outre dans les principes formels de la géométrie, de l’étude des phénomènes naturels et des structures sociales, ouvrant de singulières perspectives sur le déploiement du corps dans l’espace et le temps.

Le minimalisme de ses débuts, nourri de complexité musicale, a peu à peu cédé la place à de flamboyantes constructions pour grands ensembles dansés. En 2007, le travail de la chorégraphe prend cependant un tour nouveau : un « minimalisme second », qui ne revient sur son lieu de départ qu’à une place inattendue. Dépouillement et grand air, simplicité et valorisation énergétique des gestes élémentaires – la marche, le souffle, le parler – reconfigurent la dynamique du simple et du complexe et relancent son écriture.

Les photographes Anne Van Aerschot et Herman Sorgeloos ont été les témoins privilégiés de ce processus. À travers leurs images, réunies dans un seul et même ouvrage pour la première fois depuis dix ans, ils délivrent un regard d’une acuité exceptionnelle sur cette dernière décennie de l’aventure Rosas.

Devant l’étendue et l’hétérogénéité des perspectives de l’anthropologie de la danse, comment réconcilier la diversité des regards qui ont été portés sur la «danse», cet «objet» dont la singularité n’est pas encore universellement reconnue ? Dans cet ouvrage dont elles ont dirigé la publication, Andrée Grau et Georgiana Wierre-Gore tentent de répondre à ces questions. Elles ont rassemblé quatorze textes qui ont posé les fondements méthodologiques et théoriques de la discipline, écrits par des chercheurs anglophones venus des États-Unis et d’Europe, en particulier d’Europe de l’Est. Au-delà de sa volonté de rendre compte de la genèse d’une discipline, cette anthologie ambitionne de remettre en question quelques poncifs sur les sociétés et leurs danses, marqués par un certains ethnocentrisme. Ce livre offre un cadre méthodologique et conceptuel pour une meilleure appréhension de la danse et des pratiques dansées. En donnant accès à des textes inédits en français, il montre, d’une part, que l’approche anthropologique est pertinente pour étudier toutes les danses et, d’autre part, que la danse est un «fait social total» qui mérite d’être étudié au même titre que la religion ou la politique.

Le street art captive les foules, au gré des façades qu'il recouvre, mais aussi des musées et des galeries qu'il a maintenant investis. Sans oublier Internet, où il tient une place de choix. Cet ouvrage prend l'option audacieuse de se concentrer sur les créations les plus contemporaines, de décrypter ses principales caractéristiques, de faire découvrir ses principaux acteurs français et internationaux à travers des pièces récentes et représentatives d'une certaine maturité. Une vraie bombe… culturelle !
Quelques exemples d'artistes : Ella et Pitr, Osgemeos, Blu, Pablo Delgado, Oak Oak, Escif, Banksy, SpY, Pejac, JR, Pure Evil, Stik, Kenny Random…

Les femmes ont longtemps été perçues par les artistes comme des objets de représentation et des muses. Aujourd’hui, les artistes femmes ne sont plus obligées de travailler dans l’anonymat ni de prendre des pseudonymes masculins, mais elles sont encore particulièrement absentes des musées et l’ interrogation posée par les Guerrilla Girls, en 1989, dans les rues de New York, garde toute sa force : «Les femmes doivent-elles être nues pour entrer au Metropolitan Museum?»
Dans cet ouvrage, Flavia Frigeri met en lumière le travail remarquable d’artistes femmes et explore la vie d’une cinquantaine d’entre elles, du XVIe siècle à nos jours, parmi lesquelles Artemisia Gentileschi, Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo ou encore Louise Bourgeois.
Ce guide essentiel comprend en outre une fascinante chronologie des accomplissements réussis par des femmes depuis 1558 ; on y trouvera aussi des suggestions de lectures pour aller plus loin, ainsi qu’un index des artistes femmes du monde entier.

Botaniste, explorateur des forêts tropicales équatoriales qu'il sillonne depuis quarante ans, carnet de croquis en main, Francis Hallé nous invite dans cet Atlas de botanique poétique à un voyage illustré à la rencontre de plantes extraordinaires. Des innombrables carnets d'expédition qui tapissent les étagères de son bureau à Montpellier, il a extrait un échantillon des spécimens les plus étonnants. De Codariocalyx motorius, la plante qui danse, aux Solanaceae d'Argentine, ces arbres souterrains dont on n'aperçoit qu'un tapis de feuilles au sol, leurs modes de développement et d'adaptation dépassent souvent notre compréhension pour enchanter notre imagination. Exubérantes, énigmatiques, dotées d'aptitudes surprenantes, les merveilles végétales présentées dans ce cabinet de curiosités inattendu plaident en faveur de la sauvegarde des forêts tropicales aujourd'hui gravement menacées.

Outre ses nombreuses créations artistiques à travers le monde, le chorégraphe et danseur Thierry Thieu Niang a travaillé avec des malades alzheimer, des détenus et des enfants d'ici et d'ailleurs. L'écrivain Marie Desplechin l'a accompagné lors d'une session avec de jeunes autistes qu'il faisait danser. Ensemble, ils ont observé cette brèche de lumière que la danse ouvre chez ces enfants du silence.

Le chorégraphe et l'écrivain ont rendu compte de cette bouleversante expérience avec leurs mots, leurs fantômes, leurs vies. Marie Despléchin revisite ces temps terribles où ses pas la portaient, défaite, vers l'hôpital psychiatrique où un être aimé était interné.

Thierry Thieû Niang raconte les séances avec les enfants autistes: leurs craintes, leur peur du contact, le miracle d'un mot, d'un sourire, d'une étreinte. A ce journal se mêlent les images d'un amour finissant et celles furtives du pays perdu de son père.

D'une émouvante poésie ce double récit nous invite à écouter le silence de ces enfants aux bois dormants pour qui la tendresse, l'amour, la danse sont des princes charmants.

500 ans d'histoire du ballet dans un ouvrage visuel et familial :

• les œuvres classiques (Giselle, Le Lac des cygnes... ) comme les créations plus contemporaines (Chroma... ), résumées et analysées ;
• les grandes périodes, les techniques et expressions emblématiques ;
• les portraits de chorégraphes, compositeurs, danseurs et danseuses internationaux (de Pierre Beauchamp à Akram Khan en passant par Marius Petipa, Martha Graham et Sylvie Guillem) ;
• les grandes compagnies et les lieux de danse incontournables dans le monde.

Les artistes contemporains noirs américains commencent à intégrer à leurs œuvres des éléments propres à leurs revendications sociales et culturelles. En réponse aux artistes occidentaux qui ont puisé leurs références dans les arts dits « primitifs », ils affirment la volonté de faire un art authentique où s'inscrit la valeur de leur culture visuelle noire longtemps considérée comme secondaire par le monde occidental en regard de leur tradition musicale. Ils manifestent ainsi la nécessité de ne plus être un être « invisible » en constituant par la (re)-présentation une identité culturelle afro-américaine, éléments essentiels pour la mise en place d'une histoire de l'art afro-américain contemporain. L'étude des œuvres de David Hammons, Adrian Piper et bien d'autres permet d'extraire certaines préoccupations communes aux artistes noirs américains, comme la place du corps, de l'espace urbain et de la mémoire.

Since shocking audiences in 1993, at age 19, with his radically sparse À bras le corps, Boris Charmatz (born 1973) has emerged as one of France's leading choreographers. Whether he's creating a dance composed solely of everyday actions, working with an ensemble of children or running a "dancing museum," Charmatz's work experiments with the body as a vessel for subjectivity, history and collective action. Featuring original essays and interviews and an oral history by Charmatz's contemporaries, this book is the first to explore the many facets of his career--as choreographer, writer and director of France's Musée de la danse.

La chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker s’entretient ici avec la théoricienne du spectacle et musicologue Bojana Cvejić, afin de détailler les principes chorégraphiques de ses quatre premières œuvres (1981–1987). L’analyse rétrospective qui s’élabore au fil des questions permet ainsi de dévoiler les méthodes et les intuitions des années de formation de cette grande artiste de la danse.

En 1968, Fernand Deligny fonde un réseau de prise en charge d'enfants autistes dans les Cévennes, aux environs de Monoblet.
Il propose aux adultes (ouvriers, paysans, étudiants, tous éducateurs non diplômés) qui vivent auprès d'eux jour et nuit de transcrire leurs déplacements et gestes dans les aires de séjour du réseau (des campements à ciel ouvert, des fermes). Ces cartes ne servent ni à comprendre ni à interpréter les comportements des enfants, mais à conserver la trace de leurs lignes díerre, ces détours pour rien qui révèlent un mode d'être singulier, un autre rapport à l'espace, au temps et à la mémoire, à produire l'image d'un milieu de vie commun aux individus parlants et à ces enfants hors langage.

Formée notamment à l’École Mudra de Bruxelles, Catherine Diverrès pratique les techniques de José Limón, de Merce Cunnigham et d’Alwin Nikolais avant de rejoindre Dominique Bagouet à Montpellier. Peu après, sa rencontre avec Kazuo Ohno, grande figure du butô japonais, elle amorce sa démarche chorégraphique : avec Bernardo Montet, Catherine Diverrès obtient une résidence d’étude au Japon où ils inventent leur propre langage et créent, en 1983, leur premier duo, Instance. À leur retour, ils fondent le Studio DM et codirigent à partir de 1994 le Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne, dont Catherine Diverrès assure seule la direction de 1998 à juin 2008.

A l'aube des Dancewalks de Foofwa d'imobilité ou du Songlines de Joanne Leighton, ce numéro est consacré au rôle actuel de la marche dans l'écriture chorégraphique.
Plutôt que d'aborder la marche au prisme de techniques codifiées visant à explorer ce que la danse fait à la marche, on peut aussi renverser la question : Que fait la marche à la danse ? Quels dialogues se tissent à la rencontre des spatiotemporalités de la marche, un art d'expérience, avec le monde de la danse ?
Danser en marchant est souvent acte de résistance, de découverte de soi et d'autrui. Geste ordinaire issu de la vie quotidienne, la marche est également un mouvement perpétuel d'avancée ou de recul, qui laisse des traces esthétiques, philosophiques, écologiques, et socio-politiques parmi d'autres....

Restituer la parole des ami·e·s de lutte, articuler les "je" et "nous" d'alors et d'aujourd'hui, faire retour sur des faits et affects peu connus du public français, analyser l'"épidémie de la représentation" consécutif à l'apparition du sida : telle est l'entreprise de cet ouvrage, conçu par Elisabeth Lebovici comme un véritable "discours de la méthode", où, toujours, le personnel est politique. Engagée aux côtés des activistes français et américains de la lutte contre le sida, observatrice privilégiée, en tant qu'historienne de l'art et journaliste, des débats et enjeux des années 1980 et 1990, l'auteure analyse ce moment charnière des liens entre art et activisme, qu'elle revisite avec sa mémoire de témoin, en survivante affectée. Monographies, entretiens et essais thématiques composent ce volume, rédigé de manière assumée ― la seule possible ― à la première personne. Il propose ainsi une cosmologie élective ― d'ACT UP à Dana Wyse, d'Alain Buffard à Zoe Leonard, de Lionel Soukaz à Mark Morrisroe, entre autres ―, illustrée par des archives et ephemera qui soulignent l'importance du graphisme dans la lutte contre le sida. Embrassé par une création originale du collectif lesbien fierce pussy, Ce que le sida m'a fait est un ouvrage nécessaire pour comprendre les "années sida", cette période d'une créativité artistique et activiste née de l'urgence de vivre et du combat pour la reconnaissance de tous—tes.

Pourquoi les hommes se sentent-ils obligés d'expliquer aux femmes ce qu'elles savent déjà ? D'où vient leur certitude de savoir mieux qu'elles ce qu'elles doivent penser, ou faire ? Peut-être de l'Histoire, qui a constamment relégué les voix des femmes au silence. Dans ce recueil d'essais où la colère le dispute à l'intelligence et à l'humour, Rebecca Solnit explore une nouvelle façon de penser le féminisme.
Et fournit des armes pour les luttes à venir.

Danser, résister. Répondre à la stupeur par un geste. Opposer la vie à la mort. Initier un mouvement pour ne pas céder à la peur. Danser comme on manifeste.
En janvier 2015, suite à l’attentat à Charlie Hebdo, Nadia Vadori-Gauthier s’est engagée dans un acte de résistance poétique : Une minute de danse par jour. Ce geste quotidien – danser chaque jour, où qu’elle soit –, Nadia Vadori-Gauthier l’a filmé et l’a posté en ligne le jour même. L’ensemble constitue une œuvre à laquelle l’artiste a consacré 1001 jours consécutifs. Ce livre rassemble un choix de photos des minutes de danse et des textes sur le thème danser/résister. Il interroge ce geste à la fois micropolitique et poétique. Un récit en images du projet enthousiasmant de Nadia Vadori-Gauthier : par l’art, faire circuler la vie pour réenchanter nos jours.

Avant de danser dans ses propres chorégraphies, Christian Bourigault a été, durant dix ans, de 1980 à 1990, interprète de Dominique Bagouet, Stéphanie Aubin, Odile Duboc, Georges Appaix, Josette Baïz... En 1990, il crée son premier solo, L’autoportrait de 1917, et forme la compagnie de l’Alambic, au sein de laquelle il chorégraphie : L’apocalypse joyeuse en 1991, Matériau-Désir en 1993, Le chercheur dort en 1994, Manège en 1995, Où ? en 1996 et Entre autres en 1997. Préfacé par Véronique Barcelo, ce livre est composé d’une suite de regards posés sur l’interprète, le chorégraphe, l’homme et l’artiste dans sa relation aux autres arts, en particulier les arts plastiques. Regards du critique Philippe Verrièle ; Isabelle Ginot, historienne de la danse ; de Laurence Louppe, spécialiste de l’art et de la danse.

En novembre 1987, quand débute le tournage de La Plainte de l'impératrice, Pina Bausch est à l'apogée de sa gloire. Elle a porté la révolution dans le spectacle vivant, cassant tous les codes, inventant tout au fur et à mesure, pièce après pièce. Filmer, c'est pouvoir sortir de scène, du théâtre, c'est avoir accès à l'espace extérieur, à la nature. Il y a là le désir d'un appel d'air. Comment la chorégraphe et sa troupe de Wuppertal ont-ils trouvé le chemin qui conduit de la scène à la caméra ? Pourquoi ce film sera-t-il la seule réalisation cinématographique de Pina Bausch ? C'est ce que raconte cet ouvrage. Federico Fellini, Pedro Almodóvar, Heiner Müller, Pippo Delbono, Bob Wilson mais aussi Susan Sontag, François Weyergans, Hervé Guibert et Peter Esterhazy, pour n'en citer que quelques-un·e·s, se succèdent pour exprimer un désir compulsif, pour s'approprier le pouvoir et la force de la réalisatrice. Il y a, dans l'ouvre de Pina Bausch, un avant et un après de La Plainte de l'impératrice. Le film reste une énigme et fixe un point de rupture dans l'ouvre théâtrale, qui l'oblige à se transformer. Aujourd'hui Pina Bausch a disparu. La Plainte de l'impératrice, œuvre maudite et culte, au titre prémonitoire, ne se rend toujours pas. Comme un roc solitaire. Dominique Frétard, journaliste au service culturel du journal Le Monde de 1989 à 2009, auteur d'ouvrages sur la danse et les arts plastiques, a eu l'occasion de rencontrer de nombreuses fois Pina Bausch et d'assister à son processus de création avec ses danseurs à Wuppertal et dans différentes villes européennes.

ENTRE GESTES ET MOTS. Le festival concordan(s)e passe une commande à un chorégraphe et un écrivain qui ne se connaissent pas au préalable. Ils vont découvrir leurs expériences respectives, cheminer ensemble pour nous dévoiler le fruit de leurs échanges.
Le chorégraphe et l’écrivain interprètent ensuite face au public une création danse/texte inédite. Ces rencontres offrent à chaque fois des formes inattendues qui donnent à cette expérience toute sa richesse, son originalité. L’intention de ce projet est de découvrir, sur un même espace, le chorégraphe et l’écrivain dans cet acte artistique commun.

Le grand critique de danse américain, John Martin, écrivait à propos de Doris Humphrey: «Nulle parmi ces pionnières, visionnaires de grande envergure, totalement dévouées, qui réussissent à donner une identité à un art nouveau, ne fit preuve d'autant de force d'esprit et de détermination que Doris Humphrey, et c'est un privilège que de côtoyer une telle grandeur, humaine et artistique…». C'est surtout à la pédagogue que nous avons à faire dans son livre Construire la danse (The Art of Making Dances), dont Joseph Mazo dit : «Elle a laissé un testament inégalé… Ses écrits demeureront, attestant de sa stature. Ses affirmations les plus probantes sur la chorégraphie se trouvent dans ce livre…». Tout danseur et tout chorégraphe (mais aussi tout comédien ou musicien) auraient intérêt à méditer et expérimenter les divers conseils qui touchent à tous les aspects du «métier» : la forme, la dynamique, le rythme, la structure, la musique, la motivation, etc. Construire la danse est un ouvrage d'une extraordinaire richesse, à la fois réaliste, pragmatique, mais aussi inspiré et profondément humain.

Un impératif politique pèse sur le théâtre public contemporain. Il est sommé de créer du « vivre ensemble » et de parler du monde. Le théâtre doit s’impliquer dans la réalité, la documenter voire la critiquer.
Ce livre s’intéresse à la multiplication de ces spectacles citoyens ou engagés. Il tente d’en cerner les enjeux et, par là, de réfléchir au statut et au devenir de l’art par gros temps néolibéral. Non pas que la politique serait préjudiciable au théâtre ; Olivier Neveux prend le parti inverse : celui de la rencontre possiblement fructueuse des deux. « Contre le théâtre politique » signifie contre ce qui neutralise le théâtre et la politique dans le conformisme de leur alliance.
L’ouvrage saisit l’occasion de spectacles contemporains, mais aussi l’histoire, pour réfléchir à la possibilité qu’ont les œuvres de porter quelques coups à la réalité de la domination tout autant qu’à la domination de la réalité. Des coups incomparables, propres à ce que seul le théâtre permet.

La figure de l’« amateur » est multiple, voire contradictoire. Elle intensifie et trouble les notions de travail, de création et de transmission, d’expertise et d’expérience. Elle déplace et transforme les normes et les catégories esthétiques, éthiques, politiques, qui sont à l’œuvre dans le spectacle et dans la pratique de la danse contemporaine. Des chœurs de mouvement aux expérimentations les plus récentes, selon l’âge, les identités et les appartenances, les lieux et les dispositifs, le corps du danseur amateur peut être à la fois ordinaire – ni virtuose ni en représentation, mais humainement présent – et extraordinaire, surprenant, témoin d’« autre chose ». Ouvrage collectif, Corps (in)croyables propose un ensemble d’analyses qui tentent de saisir la fragilité diverse de ces figures d’« amateurs », tout en mettant en question les pratiques dans lesquelles elles entrent en jeu.

Si la mémoire des œuvres en danse peut s'entretenir à travers des traditions, qu'advient-il lorsqu'il y a rupture dans la transmission, quand des danseurs et chorégraphes modernes, tels Mary Wigman, Valeska Gert, Joséphine Baker ou Rudolf Laban, envisagent une mémoire discontinue de leurs gestes ? Et qu'arrive-t-il, presque un siècle plus tard, lorsque des artistes contemporains découvrent des danses passées et se laissent ravir au point d'en faire quelque chose ? Reprendre, c'est alors créer un court-circuit dans le temps qui « allume la mèche de l'explosif enfouie dans l'Autrefois », selon Walter Benjamin. Mettant au cœur de sa réflexion l'analyse des œuvres chorégraphiques, de leur processus et de leurs enjeux, Isabelle Launay observe la façon dont des artistes contemporains (Vera Mantero, le Quatuor Knust, Jérôme Bel, Latifa Laâbissi, Mark Tompkins, Loïc Touzé) réactivent des danses du passé. Dégagée du continuum d'une tradition, la mémoire des œuvres circule et travaille alors par surprises, transferts, montages et par l'inquiétante force de la citation.

La loi du 26 janvier 1984 donne aux établissements d’enseignement supérieur, une mission de diffusion de la culture et de soutien à la création artistique, scientifique et technique. Il s’en faut pourtant que la prise de conscience par les universitaires de leur responsabilité ait été générale, naturelle et immédiate. Il a fallu un engagement explicite du ministère en charge de la culture pour encourager et faciliter le développement d’actions pilotes en élargissant aux universités le système de conventions de développement culturel. Le présent ouvrage, réalisé par la délégation au développement et aux formations, explore l’évolution des projets culturels d’établissements tels qu’ils se sont progressivement élargis et construits en fonction du terrain, des partenariats singuliers, des ressources particulières. La promenade sans complaisance qui nous est proposée ici donne les repères, souligne les réussites, interroge les acteurs·trices. Elle dessine également la mesure du chemin qu’il reste à parcourir pour surmonter le poids des habitudes, des rivalités, des méfiances héritées d’une conception étroite et corporative des missions éducatives ou culturelles. Elle souligne enfin que rien ne sera vraiment acquis durablement sans une collaboration soutenue entre les professionnels de l’art et de la culture et les responsables universitaires. À charge pour les uns et les autres de donner aux étudiant·e·s le goût du risque artistique, condition de la rigueur et de la curiosité.

Les Ballets russes ont été créés à Paris au Théâtre du Châtelet en mai 1909 et disparaissent vingt ans plus tard avec leur fondateur Serge Diaghilev.
Qu’advient-il de l’héritage de la troupe après sa disparition ? Comment le mythe des Ballets russes s’est-il construit et n’a-t-il cessé de se développer au fil du temps ? Ces questions ont présidé à la réalisation de l'exposition du Centre national de la danse et de son catalogue, conçus en 2009 à l’occasion du centenaire de la création des Ballets russes. Ils viennent à leur manière poser un jalon supplémentaire dans l’histoire des commémorations des Ballets russes.

Au début des années 1980, des chorégraphes inconnus comme Gallotta, Chopinot, Preljocaj ou Decouflé inventent une danse jamais vue. Elle s'affirme comme un carrefour d'expérimentations entre le geste, la musique, le théâtre, le cirque, les arts plastiques. Cette nouvelle scène, désireuse de renverser les valeurs en cours, possède toutefois nombre de références : au premier plan Béjart et Merce Cunningham, mais aussi Alvin Nikolais, Pina Bausch, Françoise et Dominique Dupuy. Depuis, cette lame de fond n'a cessé de s'amplifier et de se métamorphoser. Dans les années 1990, de nouveaux interprètes (Bel, Rizzo, Charmatz...) remettent en cause cette "belle danse" et la "danse conceptuelle" va balayer l'optimisme des années 1980. Mais la danse contemporaine n'a pas perdu son appétit d'expériences et de découvertes : dans les années 2000, elle s'ouvre au multimédia, au collage des arts et l'éclectisme des propositions explose plus que jamais : fresques vidéo, hiphop, flamenco (Montalvo), minimalisme (Hoghe) ou classique contemporain (Preljocaj). Ce parcours, forcément subjectif, à travers l'histoire récente de la danse contemporaine, est illustré par un large ensemble de photographies de Laurent Philippe.

Comment entrer dans la fabrique de la danse contemporaine via l'idée de littérature ou de texte ? Peut-on penser aujourd'hui l'art littéraire à partir de l'art chorégraphique ?
Si la danse contemporaine n'est pas déconnectée d'une tradition littéraire qui a fourni de nombreux sujets au ballet, elle établit un nouveau rapport au texte. De multiples collaborations entre écrivains et chorégraphes en témoignent, qu'elles impliquent l'utilisation de textes lors du processus de création ou qu'elles passent par la présence d'écrivains sur scène. Cet ouvrage collectif, le premier à se consacrer exclusivement aux intersections entre danse contemporaine et littérature, dévoile un paysage riche d'expérimentations, à la fois hétéroclites et ouvertes. Sortir le texte de ses gonds, renverser le sens de lecture : voilà le défi théorique et critique de ce livre sur le mot et le geste, sur l'écrit et l'incorporé.

20 chorégraphes phares
Renouer les fils avec le passé
Changer sa façon de voir
La danse contemporaine, quel intérêt ?
La danse contemporaine, c'est quoi ?
Retenir quelques dates repères
Les Maîtres à danser
Connaître les mots clés
Comment approcher la danse contemporaine ?

Cet ouvrage est le fruit d’un travail mené depuis plusieurs années dans le cadre de la formation continue des enseignants d’EPS et auprès d’élèves de collège, lycée et lycée professionnel. Organisé autour de savoirs fondamentaux et de leur évaluation, ce document essaie d’intégrer la danse comme moyen d’éducation en EPS, tout en lui conservant sa dimension artistique. Des propositions de mises en œuvre à travers des exemples concrets viennent étayer cette démarche. L’objectif reste, avant tout, de proposer un traitement de la danse dans une logique scolaire qui s’adresse à tou·te·s les élèves.

Cet ouvrage a pour objectif d’accompagner les enseignants et les professionnels de la danse dans une démarche d’accessibilité pour les personnes handicapées motrices : accès aux œuvres, au patrimoine chorégraphique, à la pratique de la danse dans toute sa diversité. Nourri de l’expérience d’acteurs du milieu chorégraphique, il présente des approches pédagogiques adaptées, des savoir-faire, des exemples de bonnes pratiques, des organismes ressources et des publications de référence…

Dans la même série sont déjà parus : Danse et handicap visuel (2014) et Danse et handicap auditif (2016)

Cemaforre a pour but de développer et de promouvoir l’accès aux loisirs et à la culture pour tous, et tout particulièrement pour les personnes en difficulté pour des raisons de santé ou de handicap (moteur, sensoriel, psychique ou mental). Cemaforre est Centre national de ressources pour l’accessibilité des loisirs et de la culture, et est soutenue par les ministères de la Culture et de la Communication, des Affaires sociales, de la Santé et des Droits des femmes.

Des danseurs, chorégraphes, chercheurs en danse mais aussi des musiciens, un compositeur, un réalisateur sonore, un musicologue dialoguent dans ce numéro : qu’est-ce que la « musicalité » en danse ? Quelles sont les demandes adressées par les danseurs aux musiciens, et vice-versa ? Quels liens tisser entre geste, sons et émotions ?

A l'aube de ce troisième millénaire, les nouvelles technologies pénètrent particulièrement le terrain de la création artistique contemporaine. Ainsi, cette réflexion se focalisera sur la rencontre entre art chorégraphique et nouvelles technologies pour les problématiques spécifiques qu'elle soulève. Un panorama historique retraçant les multiples collaborations Art/Technique aidera à comprendre en quoi les NTIC bousculent aujourd'hui, les fondements de la création et de la représentation en Danse.

Conçu comme un mémento pratique, cet ouvrage a pour objectif d’accompagner les enseignants et les professionnels de la danse dans une démarche d’accessibilité pour les personnes handicapées visuelles : accès aux oeuvres, au patrimoine chorégraphique, à la pratique de la danse dans toute sa diversité. Nourri de l’expérience d’acteurs du milieu chorégraphique, il présente des approches pédagogiques adaptées, des savoir-faire, des exemples de bonnes pratiques, des organismes ressources et des publications de référence...
Ce manuel sera un outil précieux pour tous les professionnels de la danse impliqués dans la mise en œuvre de la loi du 11 février 2005 pour « l’égalité des droits et des chances, la participation et la citoyenneté des personnes handicapées » et la convention de l’Onu relative aux droits des personnes handicapées (2006).
Dans la même serie sont déja parus : Danse et handicap moteur ( 2015) et Danse et handicap auditif (2016)

Fruit de la collaboration entre chercheurs en danse autour d’un programme organisé par le laboratoire d’Etudes et de Recherches sur «corps-art-mouvement» (ERCAM) de l’Université Paris-V sous la direction de Mireille Arguel, et subventionné par la Direction de la recherches et des Enseignements Supérieurs, ce travail original, interdisciplinaire à portée épistémologique, trouve sa pertinence dans le contexte socio-culturel actuel. En effet, au moment où la parution de lois nouvelles sur la danse et son enseignement posent avec acuité le problème de la place de celle-ci dans le champ de l’éducation physique et des Sciences et Techniques des Activités physiques et sportives (STAPS), au moment où l’Université Paris-V vient être habilitée à organiser une licence et une maitrise nationale en danse contemporaine, cet ouvrage montre en quoi et comment la danse et l’EPS se fécondèrent réciproquement et expose l’avance prise par des enseignants chercheurs en STAPS dans la connaissance théorique et pratique de la danse appréhendée comme activité physique et artistique dont le corps est l’ENJEU. Or, ce corps dansant, dans sa complexité, défie la certitude des regards techniques, philosophiques, scientifiques, qui tentent de l’analyser, poussant à s’interroger sur la pertinence des modèles du corps sous-tendant toute recherche. Quel modèle du corps pour quelle recherche en danse ? Tel est le DÉFI lancé à travers cet ouvrage et la multiplicité de ses approches. Auteur de nombreux articles, collaboratrice à divers ouvrages sur la danse et les activités physiques, Mireille Arguel mène de front l’enseignement à l’Université de Paris-V et la recherche en Esthétique et Sciences de l’Art à l’URA 1426 CNRS.

Ce livre est d’abord un ouvrage historique. Le recours aux sources originales y a été systématique, qu’il s’agisse de textes ou de documents figurés. Un millier de références justifient les faits rapportés. C’est aussi un ouvrage d’orchestique comparée, l’orchestique étant entendue comme la remise du mouvement fugace de la danse dans con contexte religieux, idéologique, politique, économico-social. Alors, se découvrent des filiations qui s’engendrent à travers les millénaires : il se découvrent des filiations qui s’engendrent à travers les millénaires : il est possible de voir naitre le mouvement, d’observer sa diffusion, sa fidélité fondamentale à lui-même dans les mutations des cultures. Toute orchestique se propose soit d’amener l’homme à se fondre dans la personne des dieux, soit d’attirer sur lui une protection attentive. Mais va jouer la loi «de l’érosion du sacré» : le sens religieux des danses premières s’oblitère à mesure que passent les siècles et que s’éteint la ferveur. La danse devient alors matière à spectacle, matière d’art. Un art dont le but reste toujours, fût-ce dans la très contraignante technique académique, d’amener l’homme au-delà du vécu quotidien.

Cet ouvrage est le fruit d’un travail mené depuis plusieurs années auprès de différents publics d’élèves et dans le cadre de la formation initiale et continue des enseignants, autour de relations possibles entre la danse et d’autres arts tels que les arts plastiques, la musique et la littérature. Face au cloisonnement des champs disciplinaires, cette approche tente de repérer les savoirs communs aux pratiques artistiques enseignées à l’école, sans nier la spécificité de chacune. Les auteurs ont choisi d’expliciter les savoirs fondamentaux de la danse à l’école, en relation à une culture de référence : la danse contemporaine. Par des exemples concrets, ce document ouvre des espaces nouveaux d’expériences pédagogiques et artistiques, centrées sur la rencontre de la danse avec les autres arts. Il s’adresse aux enseignants pour la mise en place de projets artistiques inter, pluri ou transdisciplinaires, il reste ouvert à des formes partenariales pouvant enrichir la rencontre de l’enfant ou de l’adolescent·e avec les œuvres et les artistes.

Que sait-on en France de l’histoire de la danse en Asie et de ses évolutions ? En Occident circule souvent l’idée préconçue que les cultures asiatiques sont ancrées dans le passé et réfractaires au changement. Pourtant, des danses de temple au buto, de la danse de cour à la danse contemporaine, des ballets de propagande communiste aux performances postmodernes, les danses n’ont cessé de se renouveler en Asie, au fil de l’histoire et des mutations sociopolitiques. Comment danseurs et chorégraphes ont-ils contribué à (re)construire leur identité nationale ? Comment cherchent-ils à faire entendre, à travers le corps, d’autres «discours», à la fois esthétiques et politiques ? Comment leurs créations sont-elles perçues ? A travers différentes approches – témoignages sensibles et textes théoriques-, ce recueil d’essais permet de saisir les multiples réalités de la danse sur le continent asiatique. Il vient combler un manque dans le paysage éditorial français, où les publications sur la danse en Asie sont rares.

Que nous enseigne le corps, par quels chemins ? Comment revenir sur l’expérience d’une danse ? Comment écrire une danse ? Quels outils avons-nous pour créer ensemble ? Du mouvement au dessin, de la sensation à la parole, de la partition à la danse, c’est dans le passage d’un médium à l’autre que l’on peut sentir le processus créatif s’activer. En explorant le potentiel des différents modes d’expressions, chacun de nous a l’occasion de se reconnaitre comme sujet à l’œuvre. Ce livre place la perception – de soi, du monde extérieur, de l’autre – au cœur du processus créatif : appréhender une réalité nouvelle, la création, lui donner forme et la proposer à d’autres personnes pour qu’elles en fassent l’expérience. La communication entre personnes et entre médiums devient une aventure esthétique valorisant la création dans son développement, une invitation à chercher en soi des voies pour apprendre et composer, seul et ensemble. Ce recueil rassemble des textes inédits d’artistes interrogeant le processus créatif et introduisant leur technique de mouvement ou de méthode de composition et d’évaluation collectives d’une œuvre. Sont également présentés des exemples originaux de systèmes de notation et des partitions mais aussi des textes et entretiens avec des danseur·euse·s, des scientifiques et des chercheur·euse·s, offrant aux pratiques de la danse de nombreuses pistes de réflexion et d’exploitation.

Depuis trente années, Michel Bernard poursuit son exploration rigoureuse et passionnée de l’acte de danser. Il nous livre ici le fruit de ce travail, au travers d’un choix de textes – dont beaucoup inédits- qu’il a rassemblés autour de grands axes : l’exploration des différentes facettes de la corporéité dansante et l’examen des processus de création chorégraphique, puis de ceux de la réception et de la mémorisation du spectacle de danse. Le florilège se poursuit avec l’étude du travail de figures emblématiques, et s’achève par une analyse du statut de l’enseignement de la danse dans le système institutionnel français. Ainsi est retracé l’itinéraire d’une recherche autour de ce mot trompeur : le «corps».

Ce volume propose les deux grands textes de John Dewey sur l’éducation : son traité de pédagogie, Démocratie et Éducation (1916) et Expérience et Éducation (1938) où l’auteur précise sa pensée et répond à ses détracteurs.

Dewey place l’expérience au cœur de l’apprentissage et recentre la pédagogie sur l’individu plutôt que sur les savoirs : l’école doit répondre à la curiosité naturelle de l’enfant et lui apprendre à désirer et entreprendre ; les travaux manuels et la vie sociale prennent le pas sur les exercices imposés ; la motivation et l’effort individuel peuvent se substituer à la discipline et au régime de sanction. La finalité de l’école est d’accroître la capacité à agir et c’est en cela qu’elle participe de la démocratie.

On se rendra compte de la modernité de la pédagogie de Dewey ou du moins de l’actualité des questions qu’il pose : comment centrer l’éducation sur « les propres activités sociales de l’enfant » plutôt que sur les savoirs ? Comment l’éducation peut-elle préparer l’enfant aux conditions sociales qu’il connaîtra hors de l’école ? Comment rétablir la continuité de l’école et de la société ?

En 4 000 entrées, ce dictionnaire rend compte de la diversité de l’aventure chorégraphique et fait une large place à la danse baroque et classique, ainsi qu’à la danse contemporaine et au modern jazz. Il prend également en compte la dimension cinématographique de la danse.

Ce dictionnaire est composé de trois parties :

• Le monde de la danse (chorégraphes, interprètes, compositeurs, librettistes, décorateurs, peintres et plasticiens, auteurs de traités, pédagogues, institutions et compagnies, réalisateurs de cinéma…)

• Les œuvres chorégraphiques (à la scène et à l’écran)

• Les mots de la danse (concepts esthétiques, danses de société, genres chorégraphiques, styles et courants, notations du mouvement, termes de métier…).

Dominique Bagouet (1951-1992) cachait une rigueur chorégraphique et une invention radicale sous un sens du jeu et de la couleur qui combinait étonnament enjeux formels et plaisir du regard. Sa danse drôle et grave, désignant discrètement la défaillence d’un corps dansant qui ne fut jamais guerrier ni victorieux, a ouvert une autre façon d’être danseur et d’être spectateur. Son style ciselé et ses personnages incongrus ont marqué bien des chorégraphes. Quel geste construit-il, souvent en lutte contre l’architecture du pouvoir qui soutient la scène classique ? Cet ouvrage propose aux spectateurs de danse et de Bagouet, aux amateurs d’art et aux chercheurs, un parcours à travers le labyrinthe de son oeuvre remarquable.

A l'attention des élus et des collectivités publiques, un petit cours sur l'arbre, sa gestion, sa culture, son rôle dans la ville, afin qu'il ne soit pas menacé par l'incompétence, le souci de rentabilité, le principe de précaution, le mépris de tout ce qui vit, quand ce n'est pas tout cela à la fois. Plaidoyer pour l'arbre des rues et des parcs.

"Écosomatiques se penche sur l’interpénétration et la circulation de savoirs longtemps indifférents les uns aux autres : ceux issus des pratiques somatiques et d’une pensée des savoirs du corps expérientiels, et ceux issus d’une pensée écologique et politique qui se soucie du devenir de nos sociétés et de la planète, et cherche des ressources à la fois scientifiques, économiques, politiques. Les artistes, et en particulier les danseurs contemporains, ainsi que les praticiens des somatiques sont les acteurs de cette circulation. Ainsi se développent, depuis plus d’une vingtaine d’années, des projets artistiques mobilisant conjointement les éléments d’une « esthétique verte », des pratiques somatiques qui pensent le corps à partir de son expérience — c’est à dire comme immergée dans un milieu. Dans la diversité de ces pratiques, se distinguent des pratiques corporelles qui remettent en cause les normes techniques et esthétiques ; des performances tournées vers une lecture des espaces (urbains, naturels, privés, publics) rendant visibles la multitude des éprouvés et des savoirs du corps en jeu ; des formes d’activismes socio-écologistes empruntant des méthodologies de l’artiste ou des somatiques ; des pratiques somatiques tournées vers le prendre soin des plus vulnérables (de la petite enfance à la pauvreté), des scientifiques qui cherchent de nouvelles ressources dans les pratiques des danseurs... il s’agit là d’un mouvement diffus, très contemporain, mais de plus en plus visible, qui porte des questions aussi bien d’esthétique que de sciences du vivant ou de lecture politique."

Art du mouvement et en mouvement, la danse contemporaine revendique l’insaisissable. Pourtant, ce livre se prête à ce pari ambitieux de rassembler des reprères, d’esquisser une trace. Les regards portés sur les parcours lumineux de dix chorégraphes font le choix difficile de ces images empruntées à la densité de la mémoire, et de ces mots qui prennent pour cible l’intensité des émotions. La parole donnée à des témoins privilégiés de cette dernière décennie de danse, ô combien foisonnantes, propose une réflexion plurielle sur l’évolution et la place de cet art dans le monde d’aujourd’hui.

Durant une année, par emails, Jérôme Bel et Boris Charmatz partagent les conceptions et références qui fondent leur travail artistique respectif. Sous la forme d’une étude comparative, ils exposent, tour à tour, leurs points communs et leurs divergences sur la danse et le chorégraphique.

De janvier à septembre 2017, la chorégraphe Lenio Kaklea a rencontré des habitant·e·s d'Aubervilliers afin de collecter leurs pratiques. Au cours de son enquête, elle a rassemblé près de 300 récits témoignant de la diversité des habitudes, rituels et métiers exercés par les groupes et les individu·e·s qui peuplent cette ville de banlieue parisienne. L'Encyclopédie pratique propose de découvrir la répétition organisée des gestes, les rythmes et les temporalités qui s'immiscent dans la ville, les modes de transmission mis en œuvre pour faire société. En transcrivant les voix de ces acteur·rice·s, la chorégraphe invite à considérer ce domaine de la pratique où le sujet se construit dans l'action. Elle donne à voir un paysage troublé qui reflète une société et un territoire, les mutations dont ils sont le lieu, les luttes, les résistances et les adaptations qui s'y jouent. On y aperçoit des pratiques aussi variées qu'adopter un arbre, vivre le vertige sans basculer dans le vide, aller à l'école, sortir de l'ennui, se désengager du capitalisme, aider une proche malade… Derrière ces existences qui se déploient le temps d'une minute, d'une heure, d'une journée ou d'une vie, ce sont les gestes qui s'inventent, les corps qui s'imaginent, se cherchent et se (re)construisent, faisant écho à la démarche chorégraphique portée par Lenio Kaklea.

Dans une langue poétique et polyphonique, c’est le trajet d’un artiste en recherche que retrace ce livre. Analysant son propre travail mais aussi les œuvres emblématiques des artistes brésiliens Luiz de Abreu, Micheline Torres et Marcelo Evelin, le danseur et chorégraphe Volmir Cordeiro invente ici, à travers l’écriture, une forme sensible où la création est inextricablement liée à sa position de chercheur et à son regard de spectateur. « À partir de Ciel, mon premier solo, et d’un réseau poétique d’œuvres avec lesquelles j’entretiens une certaine proximité, je m’intéresse aux marges qui dansent. Je plonge ainsi dans l’exercice de l’écriture. L’artiste-chercheur qui écrit prend et refuse la distance. Je sais d’emblée qu’à la fin du projet, que ce soit une thèse, un livre ou une pièce dansée, je ne serai tout juste qu’au commencement, au début de mon propre jeu. Progressivement, j’essaye de produire une extension de mon travail artistique, une analyse ex-corpo de la scène, vitale pour moi. Car derrière ces lignes, une nouvelle danse se dessine déjà, qui m’habite et m’incorpore. » (Volmir Cordeiro)

S’il est un terreau fertile pour les idées reçues, c’est bien le féminisme et son histoire. Préjugés innocents ou délibérément antiféministes, ces idées reçues ont la vie dure et nourrissent les malentendus et les attaques qui impactent les luttes et les disqualifient.
Des suffragettes à Nous toutes, en passant par l’incontournable MLF, ce livre dévoile des combats passionnés et passionnants, au cœur de controverses essentielles dans le débat public. Les divergences politiques et philosophiques traversant également les mouvements féministes, l’autrice entre dans le vif des querelles pour en expliciter le sens. Qu’il s’agisse de la laïcité, de la parité, de l’écologie, des normes corporelles, de la révolution sexuelle ou encore de l’écriture inclusive, des féminismes pluriels apportent des réponses plurielles, présentées ici avec nuance et pédagogie.

2e édition revue et augmentée de l’ouvrage Le Féminisme au-delà des idées reçues (2012)

Christine Bard est professeure d’histoire contemporaine à l’université d’Angers, membre du laboratoire TEMOS et membre honoraire de l’Institut universitaire de France. Elle travaille sur l’histoire politique, sociale et culturelle des femmes et du genre, et préside l’association Archives du féminisme.

Féminismes islamiques : un titre qui en fera sursauter beaucoup, y compris parmi celles et ceux qui se pensent à l’abri de tout préjugé. C’est que le stéréotype « islam = oppression de la femme » croise partout comme un sous-marin, tantôt en surface et pavillon haut, tantôt dans les profondeurs de l’inconscient.

Ce que montre ce livre, le plus souvent on ne le sait pas : que dans les pays où l’islam est la religion dominante, des croyantes puissent lutter pour l’égalité, retourner les textes sacrés contre le patriarcat, s’élever contre les autorités politiques et religieuses qui bafouent les droits des femmes.

De l’Égypte à l’Iran, du Maroc à la Syrie, en France, aux États-Unis et jusqu’en Malaisie, des intellectuelles, des chercheuses et des militantes sont engagées dans une démarche féministe à l’intérieur du cadre religieux musulman. Zahra Ali nous fait entendre leurs voix et propose ainsi de décoloniser le féminisme hégémonique.
Pour cette nouvelle édition, Zahra Ali a rédigé une nouvelle introduction et ajouté un texte inédit d’Amina Wadud : « L’islam au-delà du patriarcat : lecture genrée et inclusive du Coran ».

Si les femmes sont extrêmement présentes dans l'art occidental en tant que personnages figurés, force est de constater qu'elles le sont beaucoup moins en tant qu'artistes. L'image sociale de la femme peintre, sculptrice ou photographe fut longtemps déconsidérée. Pour faire tomber ces obstacles, il a fallu des combats politiques et esthétiques, marqués par un féminisme à la fois courageux et créatif.
Découvrez dans cet ouvrage des personnalités singulières et très fortes dans l'adversité comme Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Niki de Saint Phalle ou plus récemment Shadi Ghadirian.

L'histoire littéraire et artistique laisse peu de place aux femmes. Nombre de leurs oeuvres ont été dépréciées ou simplement oubliées. En réalité, les femmes ont souvent oeuvré dans l'ombre, au service d'un « grand homme ». Ces formes de créativité mal définies méritent un éclairage particulier.

La place et le rôle des femmes dans l'art et dans le spectacle vivant, entre 1912 et 2012, aux lisières de la performance et de la danse.
A l'heure des re-enactements et autres remakes des performances historiques, il semblait important de s'interroger sur la place des femmes dans les avant-gardes des années 1910-1970. Quel regard portons-nous, aujourd'hui, sur les pionnières qui ont profondément modifié la danse et la performance, en Europe et aux Etats-Unis ? Réunis pour la première fois, des historiens, des philosophes, des danseurs et deux chorégraphes ont accepté de faire le point sur leurs recherches. Par-delà les catégories artistiques (danse, performance, action, pantomime, théâtre, music-hall...) et les clivages (théorie / pratique ; forme / fond), ce livre est une invitation à partager leurs questionnements sur le spectacle vivant « au féminin », ses archives et ses références.
Femmes, attitudes performatives rassemble dix contributions, une « interview performative » de La Ribot et un entretien sur La Part du rite de Latifa Laâbissi et Isabelle Launay.

Depuis ses débuts, le flamenco est émaillé de résistances et de retournements queer. Sous l’histoire officielle, la partition genrée des chants et des danses a toujours été renversée de l’intérieur par ses interprètes, par l’affirmation de dissidences de genre et de sexualité au sein même d’un milieu conservateur. Si le flamenco est né garçon, cette masculinité fut contestée et des personnalités flamboyantes comme José Pérez Ocaña, Carmen de Mairena, et plus récemment Belén Maya et Israel Galván, aux côtés d’autres moins connues mais tout aussi décisives, firent imploser les assignations normatives. Avec Flamenco queer, Fernando López Rodríguez s’attache à remettre en lumière celles et ceux qui dansèrent et chantèrent, dans les tablaos ou dans la rue, dans les marges ou sur les plus grandes scènes, pour faire vivre leur art.

Contrairement à la plus grande partie des terrains de jeux ou de sports, les différents espaces fabriqués pour le skateboard ne sont jamais abstraits. La majorité des skateparks actuels, avec leurs mélanges de courbes, de plans inclinés et de volumes parallélépipédiques, synthétisent l’espace d’origine du skateboard, l’océan, et son lieu de naissance, la ville moderne. Accompagné de nombreux documents photographiques, ce texte est une visite guidée des espaces du skateboard. L’auteur en dresse une sorte de typologie formelle tout en constituant son archéologie, des appareils de mécanique galiléenne à l’histoire de la sculpture minimaliste dont les skateurs seraient les héritiers.
« Depuis une dizaine d’années, je remarque avec stupéfaction combien les œuvres d’art public sont fréquemment documentées dans les magazines et les vidéos de skate. Les skateurs les utilisent comme support de leurs figures. Les passants, le public, la critique et l’histoire de l’art jugent les œuvres selon des critères esthétiques et conceptuels (la beauté d’une forme ou l’intérêt d’une idée). Ceux des skateurs sont mécaniques : tout l’intérêt d’une sculpture dans l’espace public tient à la variété des mouvements qu’elle suggère. » Raphaël Zarka

Avec l'enjeu d'œuvrer le multiple, l'ouvert et le fragile, ce livre s'avance comme les gestes, les corps et les performances en arts qu'il travaille. Protéiforme, éclaté, intense, il prolonge les processus d'expérimentations, de débats, de réflexions et de découvertes qu'ont menés entre 2011 et 2014 plus de cent-cinquante artistes, chercheurs, critiques et acteurs culturels au sein du Diplôme universitaire Art, danse et performance, formation continue expérimentale de l'université de Franche-Comté.
Agencé dans une « carte » de quarante « mots » surgissant des gestes, des corps, des espaces et des temps à l'œuvre dans les performances en arts, l'ouvrage collectif rassemble plus de quarante artistes, théoriciens, critiques, curateurs, chorégraphes et performers, autant issus des arts plastiques, de l'art performance, de la poésie sonore, de la danse et du théâtre. S'y livre en éclats une hétérogénéité de discours, de réflexions et de documents : textes théoriques, textes d'artistes, essais, entretiens, carnets de recherche, transcriptions, traductions, scripts, partitions, schémas, images... Une mine où chacun est invité à puiser ses pépites jusque dans l'intervalle des pages.

Chorégraphes soucieux de diffuser vos oeuvres à l'étranger, danseurs en quête d'auditions ou de stages, étudiants en politiques culturelles, ce guide vous concerne. Les programmateurs de danse, les chercheurs, les candidats aux grandes écoles trouveront également ici les informations nécessaires pour percevoir la vie chorégraphique de nombreux pays européens, effectuer leurs recherches et orienter leur vie professionnelle. Des centaines d'adresses de compagnies, de festivales, d'écoles, de centres de ressources, de ministères faciliteront vos démarches, ainsi que la list des éditeurs spécialisés et celle des revues européennes consacrées à la danse. Ce guide pratique vous accompagne dans tous vos projets hors de l'Hexagone. L'Europe vous attend. A vous de jouer maintenant !

23 000 respirations,
86 400 secondes,
100 000 battements de coeur…
De quoi est faite la journée d’une femme ?

24 histoires vraies ont inspiré
24 écrivaines internationales.
Un livre coup de poing pour rendre visible
ce que vivent les femmes au quotidien.

H24 vient frapper les coeurs et les esprits avec 24 nouvelles dans un format court, percutant et incisif, par 24 autrices contemporaines.
Chaque nouvelle s'inspire d'un moment marquant et emblématique, tiré d'un fait divers récent et ayant pour protagoniste des femmes anonymes. Actes de résistance, moments héroïques ou incidents banals, violence et joie... 24 manières d'évoquer le quotidien des femmes à travers le prisme d'histoires vécues. Des témoignages forts, qui appellent à l'insoumission et à la liberté.

Au début des années quatre-vingt-dix alors que les lieux spécifiquement conçus pour la danse faisaient cruellement défaut aux chorégraphes contemporains français, Dominique Bagouet, Liliane Martinez administritrice de la compagnie et Ruedi Baur imaginaient un «lieu-outil» au service des artistes, espace capable d’acceuillir un public professionnel aussi bien que néophyte. Cette vision déterminante dans la manière d’approcher la conception du centre chorégraphique national de Montpellier, influence encore l’ensemble de notre travail architectural aujourd’hui. In the early 1990’s, when specifically designed dance studios were sorely lacking, particulary for contemporary French choreographers, Dominique Bagouet, Liliane Martinez (Dance company administrator) and Ruedi Baur imagined a combination «tool-place» for artists, a space able to receive both professional and novice publics. This vision was a determining factor in the way we approached the design of Montpellier’s Choreography Center, and still influences our work today.

Qu’est-ce que serait un territoire du point de vue des animaux ? Vinciane Despret mène l’enquête auprès des ornithologues.

Car ce qui l’intéresse surtout, c’est d’observer la naissance et le développement de l’intérêt que les scientifiques portent aux oiseaux.

Où l’on voit alors que, plus on étudie les oiseaux, plus les choses se compliquent. De nouvelles manières de faire territoire apparaissent, bien plus complexes que les ornithologues ne pouvaient l’imaginer. Et si ces manières n’étaient que du spectacle, des parades dont personne n’est vraiment dupe ? Et si ce n’était qu’un jeu, pour “faire semblant” ? Et si l’on prêtait attention au fait que les territoires sont toujours collés les uns aux autres ? Ne seraient-ils pas, alors, une façon pour les oiseaux de continuer à vivre ensemble en étant autrement organisés ?

Sous la plume de Vinciane Despret, oiseaux et ornithologues deviennent intensément vivants et extrêmement attachants. À l’issue de ce livre, on ne devrait plus considérer la notion de territoire comme allant de soi. Et l’on n’entendra peut-être plus de la même façon les oiseaux chanter.

Savez-vous que le mot « féminisme » est issu du vocabulaire médical ? Que l’on doit l’un des discours les plus importants de l’histoire des femmes à une esclave afro-américaine qui ne savait pas lire ? Que les femmes n’ont jamais brûlé leur soutien-gorge dans les années 1970 ? Que Wonder Woman a été créée par un homme polyamoureux adepte de bondage, qui souhaitait faire de la propagande féministe ? Concepts, théorie, mèmes, figures marquantes, petites et grandes histoires, références indispensables… De A comme Adelphité à W comme Womanism, Herstory vous propose une plongée passionnante dans l’histoire des féminismes.
Marie Kirschen est journaliste, spe´cialiste des questions fe´ministes et LGBT, et rédactrice en chef de la revue lesbienne Well Well Well. Ancienne rédactrice en chef web des Inrockuptibles, elle est passée par BuzzFeed News, Libération et le magazine Têtu.

Anna Wanda Gogusey est une illustratrice française. Co-créatrice de Retard Magazine, c’est une artiste badass, féministe, impertinente et joyeuse.

L’Histoire générale de la danse (1723) offre un tableau historique de la danse et de sa place dans les sociétés de jadis et propose une description détaillée de la vie à la Cour de Louis XIV, et des différentes formes qu’y revêt la danse : le ballet, le bal masqué, les danseurs de corde.

« La danse est maudite » dit une pieuse chanson populaire ; « quand tu vois danser, ajoute le chansonnier, pense à la tête coupée de saint Jean-Baptiste sur le plat sanglant, et la tentation infernale n’aura pas de puissance sur ton âme ». Ce constat que dresse Heinrich Heine dans Lutèce sera le point de départ de notre enquête.
D’où vient cette surprenante méfiance ? Et si, au lieu de les attribuer à l’ordre moral ou à la
pudeur, si souvent invoqués, les causes d’une telle exception spirituelle étaient d’une tout autre
nature ? Car après tout il n’est aucune époque ou aucun lieu en Occident où l’on n’ait pas
dansé... Les raisons en seraient donc assurément religieuses ? Mais selon des auteurs très savants c’est au paradis que l’on trouve les chorégraphies les plus excellentes ; et comme on le verra, rares sont les mystiques qui n’aient pas fait parler leur corps à en rendre jaloux les plus grands performeurs de notre temps. N’y aurait-il pas quelque chose, un événement formidable, des faits méconnus que l’on aurait oubliés, ou encore des héritages mal digérés, qui, assurément,
nous aiderait à pénétrer les mystères de cet obscur paradoxe ? Serait-il possible de s’engager
dans la toute première exploration d’une histoire spirituelle de la danse ?David Wahl, auteur, dramaturge, travaille à des « Causeries », entre théâtre et récit, que publient les éditions Riveneuve/Archimbaud. Après le Traité de la boule de cristal et la Visite secrète et curieuse, Histoire spirituelle de la danse vient clore la trilogie.

Histoires de gestes est une invitation à repenser des actions que nous connaissons tous mais que nous interrogeons rarement : douze gestes, aussi simples qu’essentiels. Il s’agit également de déployer, à partir de ces gestes quotidiens, une histoire de la danse inédite. Chaque texte peut être lu comme un exercice d’étonnement pour notre faculté de regard sur le corps en mouvement.

Etudes théâtrales et chorégraphiques 1996/1997 sous la co-direction de Hubert Godard et Jean-Marie Pradier
«Après des années passées, aux titres multiples de praticienne, de spectatrice, d’aide à la promotion, d’organisatrice ou chargée de programmation, à criculer dans le milieu de la danse contemporaine, après avoir vu des étapes franchies qui ne faisaient pas avancer, j’ai finalement eu l’impression que nous étions quelques uns, téméraires, à nous être attelés à quelques chose comme vider l’océan avec une cullère. «Nous»? : les quelques convaincus qui nous débattons depuis tout ce temps pour offrir aux danseurs qui nous sont contemporains et créent pour notre époque, des possibilités pour présenter leurs travaux, dès le début de leur démarche.

Initiés et néophytes seront captivés par cet ouvrage fait de documents authentiques qui retracent, à ses débuts, l’histoire de la Danse Contemporaine, une véritable Révolution Artistique qui a boulversé toutes les valeurs traditionnelles.
A la fin du XIXe sicècle, l’Art de la Danse, soumis à la rigueur des règles académiques établies au temps de Louis XIV, stylisait la Beauté formelle et la conservait en transmettant sa perfection technique dans un répertoire limité. Une jeune américaine inspiré de l’Art grec entreprit de créer un autre langage corporel, dépouillé d’artifice, pour remettre en honneur la beauté oubliée du geste naturel en harmonie avec les Lois de la Nature. Elle s’appelait Isadora Duncan et dansait les pieds nus. Elle répandit avec foi ses idées d’Europe, d’autant plus résolue à plaider sa vérité qu’elle venait d’un pays sans passé artistique. De Londres à Paris, de Vienne à Berlin et à St Pétersbourg, cette Révolution Gestuelle ébranla fortement les traditions. Ce fut l’aurore de nouvelles valeurs artistiques. Elles répondaient à l’immense besoin de libération de tous les arts et influèrent profondément sur toute l’évolution du siècle.
Dans un livre passionnant, Odette Allard a su admirablement dégager des quelques écrits de la danseuse, l’idéal parfois utopique mais toujours hautement élevé qu’elle enseignait, trop souvent masqué au profane par sa vie tumultueuse. A travers des textes d’artistes, d’écrivains de journalistes, subjugués en son temps par l’art et la qualité de l’interprète, l’auteur apporte des témoignages authentiques de ce que fut la Révolution Isadorienne. Membre d’Honneur de la Fédération Européenne de Danse Libre, Odette Allard, dans un précédent livre a présenté «Malkovsky, le danseur philosophe» dont elle fut longtemps l’élève, l’un des continuateurs les plus fervents en France de la danse libre d’Isadora Duncan.

Avec Israel Galván, la danse flamenca s’engage sur le terrain de la performance conçue comme processus expérimental. Elle devient une “proposition”, “une création en acte”.
Depuis 1998, avec le spectacle “¡ Mira ! Los zapatos rojos,” premier jalon de sa collaboration avec le plasticien Pedro G. Romero, le solo s’impose à Israel Galván comme une nécessité d’être devant l’héritage flamenco qu’il porte en lui. Il le ramène au fondement éthique du fl amenco, una forma de ser, autrement dit un mode d’être. Défiant toute posture artistique, il s’agit d’une mise en jeu de soi au travers du geste vocal ou dansé. A l’écoute de cette pratique, Israel Galván réévalue la danse flamenca dans sa conception de numéro, élaborée à l’époque des cafés cantantes (cafés concerts), encore présente aujourdíhui dans le cuadro flamenco (spectacle à numéros chantés, dansés et instrumentaux).
Israel Galván réinvestit le solo initié brièvement dans les années vingt, à la fois par Vicente Escudero et Antonia Mercé La Argentina, qui l’abandonnèrent rapidement pour créer ensemble le ballet flamenco, nouvelle forme de spectacle, plus adaptée à l’attente du public des théâtres.
Israel Galván de los Reyes, prix national de Danse 2005, est né Séville en 1973 de parents danseurs. Son père tenait une académie à Séville et l’initia à la danse dès sa petite enfance. En 1992, il se joint à la Compañia Andaluza de Danza dirigée par Mario Maya. Dès 1998, il s’engage dans ses propres créations. Commence alors pour lui une trajectoire peu commune qui, en peu de temps, se matérialise par l’obtention des prix les plus importants du flamenco et de la danse, dont le Premio nacional de Danza du ministère de la Culture espagnole.
Entre 1998 et 2008, dix spectacles voient le jour ; ils marquent résolument un avant et un après dans l’évolution de la création chorégraphique flamenca.

Qui est Alice ?
Alice Davazoglou est une jeune femme de 35 ans. Elle fait de la danse contemporaine depuis plus de 20 ans.
Elle est membre fondatrice et vice-présidente d’une association : ART21.
ART21 propose des ateliers danse pour des personnes porteuses de handicap intellectuel et des personnes dites valides. Alice est porteuse de trisomie 21.

Aujourd’hui, Alice est danseuse. Elle co-anime des ateliers danse pour enfants dans des écoles ou en périscolaire, dans des formations pour les futurs professeur·e·s, pour des assistant·e·s de Vie Scolaire, pour des Conseiller·ère·s Pédagogiques...

Alice travaille régulièrement avec L’échangeur, Centre de Développement Chorégraphique National Hauts-de-France, pour co-mener des ateliers danse à destination de scolaires, de familles, de personnes en situation de handicap ou participer à des tables rondes. Elle danse également dans des projets ART21 avec Nathalie Hervé et participe à de nombreux ateliers avec différent·e·s chorégraphes : Daniel Larrieu, Julie Nioche, Xavier Lot, Blandine Minot, Laurence Pagès, Clara Cornil, Mickaël Phelippeau...
Elle sera une des deux interprètes de la prochaine création de Mickaël Phelippeau De Françoise à Alice (création le 2 novembre 2020 à L’espal, scène nationale du Mans).

Alice aime aussi dessiner et peindre. Elle passe beaucoup de temps avec ses pinceaux et ses crayons.

En 2003, le chorégraphe Boris Charmatz et l’Associaiton edna ont mis en place un dispositif de recherche et de création pédagogiques intitulé Bocal. L’enjeu de ce projet nomade et provisoire était de mettre l’école à l’épruevre de l’esthétique et du politique en réunissant une quizaine de personnes de 20 à 30 ans : danseurs, médecin, plasticiens, designers, écrivains, cricassien et musiciens. Tous se sont engagés dans une aventure «sans fin» ; il ne s’agissait pas d’obtenir un diplome, ni de se perfectionner ou d’acquérir de nouvelles techniques, mais de penser l’école comme puissance de création, d’activer son potentiel émancipateur. Dans différents contextes, ils ont conçus leurs outils de formation, questionné les figures du professeur et de l’élève, inventé les modalités de leur enseignement, en résumé, conçu un programme scolaire comme autant d’actes artistiques possibles... Ce projet, qui interrogeait l’institution sans pour autant chercher à fonder un nouveau modèle, a généré un vaste répertoire d’idéees, de débats et de propositions, entre action et utopie, création et enseignement. Sans omettre de souligner les limites que le «réel» pose à toute pratique d’invention collective, «JE SUI SUNE ECOLE» donne à comprendre comment la recherche d’une pédagogie singulière aide à conquérir une autonomie, tout en soulevant une multiplicité d’interrogations. On le voit : en relatant cette expérience inédite, c’est à des questions beaucoup plus larges que se confronte Boris Charmatz. Sont ainsi convoqués Jacques Rancière et son «maitre ignorant», Roland Barthes et le concept d’idiorrythmie, Robert Filliou et Isadore Duncan, mais aussi, de part en part, la politique contemporaine au travers d’une critique de la place de l’art et de l’expérimentation (et donc du possible) dans notre société.

Artiste inclassable, performeuse avant lheure, tout à la fois danseuse, mime, actrice au cinéma comme au théâtre, cabarettiste, inventeuse de la danse dite «» elle est lunique représentante, Valeska Gert (1892-1978) était une «étincelle dans un baril de poudre». Une figure, scandaleuse et adulée, du Berlin de lentre-deux-guerres. Larrivée au pouvoir des nazis la contraignit à sexiler dix ans aux US. Cette «du peuple» dont la route croisa, comme chorégraphe, actrice et féministe, celles de Pabst et Renoir, Brecht et Einsenstein, Tenessee Williams, Fellini ou Schlöndorff, nen continue pas moins, aujourdhui encore, dexercer son influence sur lart chorégraphique.

Jacques Roman et Menga Dolf se connaissent depuis longtemps. Dans cet ouvrage, leur complicité est saillante à chaque page. Les dessins reçoivent un souffle des mots qui sont à leur tour enrichis par les images dans un dialogue subtil et incessant : écriture et dessins sont en intelligence. Jacques Roman " retrouve un souvenir secret " dans tel dessin, " le trait le prend de vitesse ", confie-t-il ailleurs, et de chercher à " s'accorder au scintillement de l'œuvre ". La grâce des dessins de Menga Dolf tient à leur violence toujours doublée de douceur, à leur fragilité audacieuse. Ce petit livre est le journal intime de deux artistes d'exception.

For a brief period in the early 1960s, a group of choreographers, visual artists, composers, and filmmakers gathered in Judson Memorial Church, a socially engaged Protestant congregation in New York’s Greenwich Village, for a series of workshops that ultimately redefined what counted as dance. The performances that evolved from these workshops incorporated everyday movements—gestures drawn from the street or the home; their structures were based on games, simple tasks, and social dances. Spontaneity and unconventional methods of composition were emphasized. The Judson artists investigated the very fundamentals of choreography, stripping dance of its theatrical conventions, and the result, according to Village Voice critic Jill Johnston, was the most exciting new dance in a generation.

Through live performance, film, photography, sculptural objects, musical scores, poetry, and archival materials, Judson Dance Theater: The Work Is Never Done traces the history of Judson Dance Theater both in and outside the church, from the workshops that took place there to other spaces around downtown New York. Artists in the exhibition include George Brecht, Trisha Brown, John Cage, Al Carmines, Lucinda Childs, Philip Corner, Merce Cunningham, Diane Di Prima, Bill Dixon, Rosalyn Drexler, Judith Dunn, Simone Forti, Gene Friedman, David Gordon, Anna Halprin, Lawrence Halprin, Alex Hay, Deborah Hay, Fred Herko, Storm De Hirsch, Jill Johnston, LeRoi Jones, Allan Kaprow, Fred McDarrah, Robert Morris, Claes Oldenburg, Aileen Passloff, Steve Paxton, Rudy Perez, Yvonne Rainer, Robert Rauschenberg, Carolee Schneemann, Elaine Summers, Cecil Taylor, Stan VanDerBeek, James Waring, Robert Whitman, Phyllis Yampolsky, and La Monte Young.

J'ai grand-peur qu'Allen Ginsberg ait jusqu'à présent été plus connu en France pour s'être fait photographier tout nu par Richard Avedon, s'être fait expulser de Budapest, avoir écrit un poème que les militants de la " Ligue pour la liberté sexuelle " distribuaient dans les rues de San Francisco et marché pacifiquement sur le Pentagone à la tête de bataillons hippies que par ses poèmes.
Pourtant, Alain Bosquet avait traduit America (dans Trente-cinq jeunes poètes américains) et Jean-Jacques Lebel, dans la Poésie de la Beat génération, l'extraordinaire Howl et une dizaine de poèmes plus courts. Ginsberg restait cependant plus célèbre par ses bizarres conduites que pour sa grande voix. C'est celle-ci qui surgit simultanément, avec une incroyable et superbe violence, dans le poème contre la guerre du Viêt-nam Soutrâ à Wichita, et dans le recueil où son ami Claude Pélieu a traduit Kaddish et les textes de Reality Sandwiches.
On va peut-être finir par s'apercevoir à Paris que Ginsberg n'est pas seulement un personnage bien " pittoresque " mais aussi, mais d'abord, un grand poète.

Mourad Merzouki, figure emblématique de danse hip-hop, revient sur 20 ans de création sous le regard d’Agathe Dumont, chercheuse en danse. Créateur et passeur sans frontières, le chorégraphe développe depuis des années 1990 un langage hip-hop métissé, empruntant au cirque, à la danse contemporaine et aux arts martiaux. Que nous dit le parcours de la compagnieKafig sur l’évolution singulière du mouvement hip-hop en France, du succès populaire à la conquête de la scène ? Ce récit construit à plusisuers mains interroge les ressorts de la création, l’évolution du geste chorégraphique et les enjeux de la reconnaissance d’une pratique artistique en constante évolution.

J’ai écrit ce livre au fil du fleuve Humanité appelé à me perdre eb son delta. D’autres le remonteront et se perdront en ses sources. Il n’y avait pas de plus belle Fiancée que l’expédition merveilleuse là où les chutes laissèrent sous la peau la morsure d’un tendre abandon à l’aventure.